Es cierto que muchas veces los comunicadores visuales, diseñadores, artistas visuales, fotógrafos y demás allegados a esta bendita actividad (comunicar con imágenes, aunque sea en distintos niveles y con distintas intencionalidades) nos valemos de símbolos preexistentes en la cultura para descentrarlos de su significado, y así generar una reacción, "desacomodar" al observador, para que finalmente éste caiga en nuestra trampa retórica. Si bien esto es completamente válido, creo que hay ciertos límites, o al menos, buen gusto.

Este es el caso de uso y abuso de la genialidad de Milton Glaser, uno de mis referentes en cuanto a diseño gráfico, ilustración y genialidad visual: Milton diseñó en el año 1975, el ultrafamoso Isologotipo de "I Love New York". Este ícono que ha sido intervenido y bastardeado por casi cualquier ser humano en el planeta, mayoritariamente de manera "informal", es decir, no con fines de volver a vender la misma idea, ha sido manipulado en estos últimos años de forma de convertirlo en idea para reemplazar dicha sustitución (la del corazoncito rojo por "love"), ahora reformada para Sony Ericsson, donde en lugar del corazoncito, está el sofisticado isotipo de la división de telefonía celular de Sony.

Que decir sobre esto… pienso que es un robo casi deliverado. Funciona? Probablemente si, porque como dije al principio, la idea del ícono que remplaza el "love" está tan impregnada en el mundo, que se puede llegar a sustituir nuevamente por otra cosa. Al no entender de entrada el mensaje, y no encontrar lo primero que busca inconcientemente la mente, que es el corazón, la sustitución de significado resultante es el logo de Sony por "love". Ingenioso. Pero no original.

Mucho menos original, y hasta patético, es pretender llegar a ese mismo nivel de impacto y sustitución logrado por Sony, con los carteles de campaña del Pro, donde supuestamente el triangulito (marca de Propuesta Republicacana, partido político de Argentina… que ya se ha usado como "play") estaría ocupando el lugar de "love". En este caso he visto una serie de afiches en vía pública, donde valores esenciales hoy faltantes a la vista de muchos argentinos, son puestos como mira de propaganda política (seguridad, trabajo, etc.)

Mi querido Milton Glaser, estas "adaptaciones" de vuestra genialidad, nunca empañarán el criterio y la creatividad que a lo largo de los años han servido a incontables generaciones de diseñadores gráficos, que como yo, te admiramos profundamente.

Eduardo Cesario

El uso de la luz de flash no es algo tan fácil como se supone.

Muchas veces me frustra fotografiar con flash de cámara. Cuando hablo de flash de cámara, me refiero al flash "pop up".  Y la frustración se justifica en este caso, porque este tipo del flash es en sí bastante limitado.
Los límites presuponen una frustración, o más bien un desafío. Si la limitación sirve para improvisar y resolver algo que nos estorba, mucho mejor.

Y pasó que siempre esa frustración rondaba… Si no contaba con un Nikon SB-800 o similar, no fotografiaba con flash.

El otro día fue el cumpleaños número noventa y cinco de mi querida Tía Aída. Les muestro como salieron las primeras fotos con flash pop up:

Entonces pensé como dar más naturalidad a esa iluminación (con algo que tuviera a mi alcance). Agarré un platito plástico descartable color blanco, de los que se usan para servir comida en los cumpleaños, para ver como daba la luz.

Y los resultados fotográficos fueron:

• Un toque más cálido en la iluminación, y por ende en las fotografías.
• Actuó como difusor para la luz directa del flash, haciendola más suave.

En mi caso, con la Nikon D70s, puedo controlar, de manera limitada, la intensidad de luz del flash pop up (la mayoría de las cámaras de la gama no lo permiten). Procedí a subir en pasos de 0.3 EV y 0.7 EV la iluminación del flash, para ver como compensaba a raíz de que el "platito de cotillón difusor" absorbía parte de la luz.

Lo de "calentar" la luz, es una ironía, ya que los colores obtenidos, corresponden a una temperatura de color más baja en el espectro. Menos Kelvin dan colores rojizos, anaranjados y amarillentos. Es decir que estoy bajando la temperatura de color, para obtener una gama más cálida, lo opuesto a lo que supondríamos si hablamos de temperaturas tradicionales.

Eduardo Cesario

Lo que les muestro en este post, son caminos distintos de trabajo para el desarrollo de un signo/señal. Con un brief del cliente, buscando potencia, creatividad, síntesis…

Esta gráfica será colocada al frente de una tienda, a modo de cartel o señal, para nuestro cliente, Rocket Fireworks.

Habiendo previamente diseñado la identidad corporativa de la empresa, lo que hice fue descomponer un poco lo formal de la marca, para hacer el afiche más "ilustrado" y no ceñirme o limitarme tanto por la disposicón original del isologotipo.

Partí para el diseño de diversas propuestas. Las primeras, más de mi agrado, finalmente fueron decantando en algo más simple y menos complicado desde lo formal, si bien esa síntesis descartó algunos rasgos que para mi le daban mucha más sutileza al trabajo.

Cuál imaginan que fue el cartel elegido?

Eduardo Cesario

"OoooOoo"

Hace un par de horas visité la muestra del Salón Nacional, en el Palais de Glace. Para aquellos que no lo hayan hecho y les interese la fototografía, encontrarán una selección interesante de obra fotográfica de distintos autores, y otro tanto sobre instalaciones y nuevos soportes, como para chusmear las nuevas intervenciones que los artistas de nuestro medio están trabajando.

Salí de la muestra gratificado, ya que Juan Sánchez, mi ayudante en Diseño y Percepción (materia que dicto en Motivarte), fue uno de los seleccionados para colgar material en el Salón.

Mientras volvía, me quedó dando vueltas en la cabeza una idea que parecía simple, pero que creo que es necesariamente cierta:

Muchas de las obras y trabajos que vi, cobraban sentido y tenían mucha más gracia, cuando leía el título que sus autores habían puesto a los mismos. Funciona todo perfectamente cuando el título refuta, confirma, ironiza, acota o ayuda en algún punto, a terminar de construir el fotograma o la instalación (o la música, y así con cualquier rama del arte, me animaría a decir).

Y es en este punto que el título puede llegar a ser tan importante (a veces más) que la calidad final de la obra a la que representa. Lógicamente, esta dosificación estará dada también, quizá, por la necesidad que tenga la obra en particular de completar su signficado o sentido, y de esa manera llegar mejor al espectador, permitiendo cerrar el círculo perceptivo de quien trata de adentrarse en la experiencia que proponemos, cuando decidimos mostrar nuestro trabajo al mundo.

Eduardo Cesario

Pesadilla de diseñadores gráficos: diseñar su propio sitio web. O diseñar su portfolio, o diseñar practicamente cualquier cosa que nos ponga como comitentes.

Es así estimados amigos: cuando el ojo de la tormenta gráfica se cierra sobre nuestro propio trabajo, no sabemos para donde correr.

¿Qué hace tan desfiante este mal generalizado en nuestra raza?

El problema pasa simplemente porque el otro, el que nos devuelve y nos da feedback sobre lo que hacemos, somos nosotros mismos. Hay que aclarar muy bien el camino para saber lo que realemente queremos plasmar, y no dar marcha atrás o cambiar sobre la marcha.

Es que ser uno mismo el límite, es complicado.

No hay presupuestos que nos limiten, no hay fechas de entrega ciertas, no hay estéticas determinadas a seguir, quizá hasta no haya un brief marketinero que nos diga que hacer y que no.

Y es ahí donde uno de los males más temidos aparece: la neurosis gráfica.

¿Y qué es eso?

Bueno, es una "patología" privativa de los diseñadores gráficos, cuyos efectos sobre la salud mental y visual son terribles, entre ellos:

• girar en círculos con ilimitadas propuestas de diseño,
• cambiar la marca obsesivamente,
• optar por distintos colores,
• tirar el layout al diablo…
• y rediseñar todo de cero, eso unas veinte veces, si no más.

Esta sintomatología puede variar según la gravedad del caso en cuestión.

Cómo remediar el problema

Lamentablemente no hay medicación que de una solución definitiva a este problema. Pero puedo sugerir una práctica recomendada, que según mi modesta experiencia, funciona muy bien, y se sintetiza en:

Dejarse ser gráficamente.

En el caso práctico del sitio web, empezar a subir cosas. Diseñar sin pensar tanto, ir publicando y retocando sobre la marcha. Particularmente en el caso de los sitios web, tenemos la enorme ventaja de poder ir alterando los contenidos en el proceso, y no dejar "marcas".

La mejor práctica es lanzarse de lleno en el proceso, e ir modificando y alterando los contenidos, las diferentes mutaciones irán tomando forma, hasta que llegue el momento en que la versión "definitiva" salga a la luz.

Y digo "definitiva", porque yo también soy un neurótico.

Eduardo Cesario

Hace un par de años, presenté una propuesta de afiche para el concurso de Terras Gauda, una bodega española. El trabajo fue el cartel que llamé "Amebogaudas".

Esto que adjunto en el post, es parte del proceso que hice para llegar al cartel, aquí pueden ver una de las pinturas/ilustraciones producidas para mi propuesta, que finalmente no incluí en el diseño final, pero si que sirvieron para inspirarme un poco más en lo que quería presentar.

Es parte de mi actividad como "pintor". Es una nueva faceta que empezaré a explotar en el futuro, espero que les guste el trabajo.

Eduardo Cesario

Mucho se dice habitualmente sobre el retoque digital de fotografías, o post-producción, o… photoshop! Hasta se inventó el verbo "photoshopear", para definir la acción de usar, indiscrimidamente a veces, el Adobe Photoshop sobre alguna imagen.

Pero quiero mostrarles como a veces, el retoque digital puede ser usado creativamente, sirviéndonos de la misma materia prima que la imagen ofrece, en lugar de andar haciendo foto-montajes imposibles, o trabajo de locos para llegar a un resultado de dudosa calidad.

En el caso que presento, es una foto que tomé en las vacaciones, Mar del Plata. La fotografía la tomé como una cámara compacta. Sí, opté por no llevar el equipo reflex, lo cual permitió más soltura para sacar fotos, ya que todos sabemos lo engorroso y arriesgado que es andar con una cámara reflex por ahí.

La cuestión es que la foto me gustaba mucho, quizás no es el encuadre más afortunado, pero me gustó la naturalidad, y el "vacío" que había en la imagen. No me convencían los colores, la foto fue registrada con luz nublada, por lo cual el contraste de la imagen fue bajo. Así que mi decisión de retoque fue simple:

• Subir el contraste de los tintes
• Acentuar el detalle en algunas zonas
• Colorear siguiendo la línea de colores originales, para acentuar el efecto "pintado" de la imagen.

Mi forma de retoque suele ser la que cito más arriba, busco rescatar el espíritu de la imagen, y reforzar color, textura y contrastes. Esta metodología de trabajo, procura no interferir con el contenido original de la fotografía, sino aumentar su calidad estética.

Así que en resumidas cuentas, lo que hice fue agregar unas cuantas capas de ajustes de Photoshop, algunas para acentuar contrastes, otras para pintar con color que luego fusioné con diferentes opacidades, y colorear zonas que no tenían un buen registro cromático.

El resultado está a la vista, y el mensaje del post es no volverse loco buscando cosas imposibles, a veces lo bueno está en nuestra propia imagen, esperando a ser descubierto .

Eduardo Cesario

PD: Pueden ver algo que escribí sobre esta foto en el blog de Sobreexpuestos .

Los días martes 5 y miércoles 6 de mayo, tendrá lugar la tercera edición del Festival de Free Jazz en Argentina 2009, con la presencia de importantes músicos locales del género y la participación especial de Hill Greene (bajo, Estados Unidos), artista de amplia trayectoria internacional.

Coordinación: Ruben Ferrero

A vos amigo diseñador/a, que visitás este blog seguido…

A vos, amigo fotógrafo, estudiante de fotografía, entusiasta de las cámaras…

A vos, melómano, que de vez en cuando despuntás el vicio leyendo algunas líneas que escribo…

Te invito a hacerte FAN!
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Es mi cromático pedido a todos los que disfrutan de alguna forma de este humilde espacio.

Un abrazo

Eduardo Cesario

La marca de un 15 Aniversario es todo un compromiso.

Para poder proyectarla exitosamente, el estudio se armó de paciencia y creatividad para mostrar una apuesta cromática fuerte, en lo que es un acontecimiento de alegría y festejo para la Institución. Así es que se mantuvo el isologotipo original de la escuela, y se operó con diversos tintes por detrás, para acentuar el dinamismo y la riqueza cromática que supone el trabajo con fotografía. Esta re-elaboración de la identidad de la Escuela de Fotografía Motivarte, va de la mano de los últimos trabajos que CCS viene realizando para la misma, donde el resurgimiento del color y el movimiento, son ejes principales en la idea comunicacional propuesta.

El proceso creativo del diseño estuvo acompañado por el Director de la Escuela, Jonas Papier, de amplia trayectoria en el arte de la fotografía y la pedagogía aplicada a su enseñanza. La proyección del isologotipo es la resultante de decantar varias etapas de bocetado y diseño, en búsqueda de una marca dinámica, divertida, pero con peso institucional y de fácil adaptación al sistema corporativo pre existente de la Institución.

 Eduardo Cesario