Debo confesar que era una experiencia que quise hacer desde que daba clases en la UBA, hace ya unos años.

Y ahora, pudiendo decidir directamente sobre las dinmámicas, contenidos y ejercicios de la materia que dicto (Diseño y Percepción de la Imagen), fue casi irresistible no plantearla como trabajo práctico.

La idea fue creciendo en mi cabeza, cada vez más, y no me conformé con darlo como práctico, sino como Examen Final de la materia, desición que fue de por sí arriesgada, dado el hecho de que no habría correcciones previas, y el vértigo mismo de poner a prueba a los chicos, lo que aprendieron en mi clase, y la recepción de las diferentes músicas, en muchos casos no del todo amigables, hacían de esta dinámica, algo arriegado… pero irresistiblemente divertido también.

Seleccioné 20 discos de bandas que no serían muy conocidas para los chicos, y confieso (ya van dos confesiones en muy poco texto) que esos discos son de mi agrado (algunos me gustan muchísimo).

La consigna es simple: en base al disco asignado a cada alumno, proceso realizado por sorteo, en clase, debería elaborar el arte del álbum, a partir de fotografías tomadas por él, sin límite en otras técnicas involucradas en el proceso, como ser, collage, pintura, recortes, uso de tipografía, color,  etc., para llegar a producir un diseño final sustentado ya sea por criterios conceptuales, estéticos, experimentales, o alguna justificación que abale el proceso.

Los discos fueron:

• Rush, 2112
• Gongzilla, Suffer
• Miles Davis, Amandla
• Peter Gabriel, Passion
• Steve Hackett, Defector
• King Crimson, In the Court of the Crimson King
• Steve Vai, Flexable
• Jean Michel Jarre, Oxygene
• The Cure, Pornography
• Emerson Lake & Palmer, Brain Salad Surgery
• Andy Summers, Mysterious Barricades
• Attention Deficit, The Idiot King
• Brian Eno, Nerve Net
• Guillermo Cides, Primitivo.
• Tangerine Dream, Cyclone
• Tangerine Dream, Phaedra.
• Kraftwerk, Radio-Activity
• Laurie Anderson, Big Science
• Medeski Martin & Wood, Combustication
• Black Sabbath, Paranoid

En la próxima entrega, les muestro algunos de los mejores trabajos realizados por los chicos (y de paso los obligo a pasarse nuevamente por el blog).

Eduardo Cesario

 
¿Cómo plantear el tema del uso de color, combinando lo mejor de los dos mundos? (el fotográfico y el del diseño gráfico)

El desafío docente y pedagógico ataca cada vez que uno busca hacer de una clase algo divertido, sin perder el rigor técnico que cualquier materia trae consigo.

Entonces aquí estaba, con la búsqueda de un camino lúdico/educacional para hablar de color a futuros fotógrafos.

Partiendo de la base que nuestro sistema visual percibe básicamente por contrastes, y luego de haber explicado armonías de color, me pareció que la manera de abordar el tema era usando la investigación de contrastes que hizo Johannes Itten.

El procedimiento fue el siguiente:

1. Pedí a los chicos que produzcan al menos dos fotografías, una en clave alta (high key) y otra a contraluz, de cada grupo. Esa fotografía la tomaron en la clase de Producción y Toma, materia que dicta Hernán Sveldorff. Es de vital importancia que la toma sea en alguna de estas dos modalidades, ya que lo que buscamos es un alto contraste, para que se definan bien las siluetas.
2. En clase, la consigna fue armar un collage, con técnicas y materiales libres, pensando en que iba a interactuar con su propia foto en una composición de colores.
3. Fotografiamos los collages realizados.
4. Luego les expliqué, con una pequeña demostración, como usar esa foto para generar un trace (o traza) en el Adobe Illustrator. De esta manera, podrían manipular la imagen en vectores (contornos), y cambiar fácilmente los colores de fondo y figura.
5. La consigna final fue usar criterios de analogías y contrastes para ver diferentes resultados, usando un color de fondo, el collage, en otro color, y la foto de ellos, a su vez, en otro tinte. Entonces dispondrían de 3 "capas" formales, para plantear diferentes combinatorias de color.
6. Entregar una pieza (afiche 50×70cm) mostrando las combinatorias realizadas.

Resultó ser un método interesante, y que fue implementado a lo largo de una clase, lo cual creó un entorno dinámico:

1. Parte experimental (collage)
2. La digitalización (fotografía)
3. Manipulación (vectorización)
   
4. y composición final (illustrator)

Una experincia que definitivamente voy a repetir en la materia, ya que los resultados me han sorprendido gratamente, y los chicos aprendieron un procedimiento bastante directo y sin la necesidad de tanto contenido teórico.

Eduardo Cesario

Comencé a incorporar material sobre diseños o proyectos relacionados con Sistemas de Diseño Gráfico en el sitio del estudio.

Como primera parte de esta actualización, decidí focalizarme en sistemas de señalética. Los dos casos que se pueden consultar son el de Laboratorios Rapela, que finalmente fue utilizado en el website del cliente, y el de la Escuela de Fotografía Motivarte, que actualmente puede verse funcionando en la escuela.

Esta área en particular de la actividad del diseño, requiere soluciones y planeamientos que atiendan a numerosos aspectos de las piezas:

• Idea rectora general.
• Resolución formal pertinente a la idea.
• Ajuste formal de los pictogramas o señales para una óptima legibilidad.
• Generación del sistema con constantes y variables que den flexibilidad, pero que ello no resigne unidad a la lectura general.
• Originalidad a la hora de plantear los signos.

Aquí expongo algunas imágenes del proceso de diseño de la señalética para Motivarte (es una especie de bonustrack, ya que en el sitio del estudio sólo he incluído imágenes del producto final).

Los invito a ver los diseños finales, en el sitio de Criatura Creativa Studio.

Eduardo Cesario