El uso de la luz de flash no es algo tan fácil como se supone.

Muchas veces me frustra fotografiar con flash de cámara. Cuando hablo de flash de cámara, me refiero al flash "pop up".  Y la frustración se justifica en este caso, porque este tipo del flash es en sí bastante limitado.
Los límites presuponen una frustración, o más bien un desafío. Si la limitación sirve para improvisar y resolver algo que nos estorba, mucho mejor.

Y pasó que siempre esa frustración rondaba… Si no contaba con un Nikon SB-800 o similar, no fotografiaba con flash.

El otro día fue el cumpleaños número noventa y cinco de mi querida Tía Aída. Les muestro como salieron las primeras fotos con flash pop up:

Entonces pensé como dar más naturalidad a esa iluminación (con algo que tuviera a mi alcance). Agarré un platito plástico descartable color blanco, de los que se usan para servir comida en los cumpleaños, para ver como daba la luz.

Y los resultados fotográficos fueron:

• Un toque más cálido en la iluminación, y por ende en las fotografías.
• Actuó como difusor para la luz directa del flash, haciendola más suave.

En mi caso, con la Nikon D70s, puedo controlar, de manera limitada, la intensidad de luz del flash pop up (la mayoría de las cámaras de la gama no lo permiten). Procedí a subir en pasos de 0.3 EV y 0.7 EV la iluminación del flash, para ver como compensaba a raíz de que el "platito de cotillón difusor" absorbía parte de la luz.

Lo de "calentar" la luz, es una ironía, ya que los colores obtenidos, corresponden a una temperatura de color más baja en el espectro. Menos Kelvin dan colores rojizos, anaranjados y amarillentos. Es decir que estoy bajando la temperatura de color, para obtener una gama más cálida, lo opuesto a lo que supondríamos si hablamos de temperaturas tradicionales.

Eduardo Cesario

Lo que les muestro en este post, son caminos distintos de trabajo para el desarrollo de un signo/señal. Con un brief del cliente, buscando potencia, creatividad, síntesis…

Esta gráfica será colocada al frente de una tienda, a modo de cartel o señal, para nuestro cliente, Rocket Fireworks.

Habiendo previamente diseñado la identidad corporativa de la empresa, lo que hice fue descomponer un poco lo formal de la marca, para hacer el afiche más "ilustrado" y no ceñirme o limitarme tanto por la disposicón original del isologotipo.

Partí para el diseño de diversas propuestas. Las primeras, más de mi agrado, finalmente fueron decantando en algo más simple y menos complicado desde lo formal, si bien esa síntesis descartó algunos rasgos que para mi le daban mucha más sutileza al trabajo.

Cuál imaginan que fue el cartel elegido?

Eduardo Cesario

Hace un par de años, presenté una propuesta de afiche para el concurso de Terras Gauda, una bodega española. El trabajo fue el cartel que llamé "Amebogaudas".

Esto que adjunto en el post, es parte del proceso que hice para llegar al cartel, aquí pueden ver una de las pinturas/ilustraciones producidas para mi propuesta, que finalmente no incluí en el diseño final, pero si que sirvieron para inspirarme un poco más en lo que quería presentar.

Es parte de mi actividad como "pintor". Es una nueva faceta que empezaré a explotar en el futuro, espero que les guste el trabajo.

Eduardo Cesario

Mucho se dice habitualmente sobre el retoque digital de fotografías, o post-producción, o… photoshop! Hasta se inventó el verbo "photoshopear", para definir la acción de usar, indiscrimidamente a veces, el Adobe Photoshop sobre alguna imagen.

Pero quiero mostrarles como a veces, el retoque digital puede ser usado creativamente, sirviéndonos de la misma materia prima que la imagen ofrece, en lugar de andar haciendo foto-montajes imposibles, o trabajo de locos para llegar a un resultado de dudosa calidad.

En el caso que presento, es una foto que tomé en las vacaciones, Mar del Plata. La fotografía la tomé como una cámara compacta. Sí, opté por no llevar el equipo reflex, lo cual permitió más soltura para sacar fotos, ya que todos sabemos lo engorroso y arriesgado que es andar con una cámara reflex por ahí.

La cuestión es que la foto me gustaba mucho, quizás no es el encuadre más afortunado, pero me gustó la naturalidad, y el "vacío" que había en la imagen. No me convencían los colores, la foto fue registrada con luz nublada, por lo cual el contraste de la imagen fue bajo. Así que mi decisión de retoque fue simple:

• Subir el contraste de los tintes
• Acentuar el detalle en algunas zonas
• Colorear siguiendo la línea de colores originales, para acentuar el efecto "pintado" de la imagen.

Mi forma de retoque suele ser la que cito más arriba, busco rescatar el espíritu de la imagen, y reforzar color, textura y contrastes. Esta metodología de trabajo, procura no interferir con el contenido original de la fotografía, sino aumentar su calidad estética.

Así que en resumidas cuentas, lo que hice fue agregar unas cuantas capas de ajustes de Photoshop, algunas para acentuar contrastes, otras para pintar con color que luego fusioné con diferentes opacidades, y colorear zonas que no tenían un buen registro cromático.

El resultado está a la vista, y el mensaje del post es no volverse loco buscando cosas imposibles, a veces lo bueno está en nuestra propia imagen, esperando a ser descubierto .

Eduardo Cesario

PD: Pueden ver algo que escribí sobre esta foto en el blog de Sobreexpuestos .

A vos amigo diseñador/a, que visitás este blog seguido…

A vos, amigo fotógrafo, estudiante de fotografía, entusiasta de las cámaras…

A vos, melómano, que de vez en cuando despuntás el vicio leyendo algunas líneas que escribo…

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Es mi cromático pedido a todos los que disfrutan de alguna forma de este humilde espacio.

Un abrazo

Eduardo Cesario

La marca de un 15 Aniversario es todo un compromiso.

Para poder proyectarla exitosamente, el estudio se armó de paciencia y creatividad para mostrar una apuesta cromática fuerte, en lo que es un acontecimiento de alegría y festejo para la Institución. Así es que se mantuvo el isologotipo original de la escuela, y se operó con diversos tintes por detrás, para acentuar el dinamismo y la riqueza cromática que supone el trabajo con fotografía. Esta re-elaboración de la identidad de la Escuela de Fotografía Motivarte, va de la mano de los últimos trabajos que CCS viene realizando para la misma, donde el resurgimiento del color y el movimiento, son ejes principales en la idea comunicacional propuesta.

El proceso creativo del diseño estuvo acompañado por el Director de la Escuela, Jonas Papier, de amplia trayectoria en el arte de la fotografía y la pedagogía aplicada a su enseñanza. La proyección del isologotipo es la resultante de decantar varias etapas de bocetado y diseño, en búsqueda de una marca dinámica, divertida, pero con peso institucional y de fácil adaptación al sistema corporativo pre existente de la Institución.

 Eduardo Cesario

Muchas veces me había ocurrido que cuando subo fotos desde mi computadora a Flickr, experimentaba cambios de color, algunas veces menos dramáticas que otras.

El otro día estaba terminando de editar una foto en Photoshop, que venía de un archivo .NEF (archivo raw de cámaras reflex Nikon). Cuando exporté el jpg con el resultado, se veía muy bien en la Mac, pero, oh sorpresa, cuando completé el uplad en Flickr había perdido mucho el contraste y la saturación, que si tenía en mi computadora.

Googleando un rato, mi sospecha se confirmó: lo que hacía que los colores pierdan sus propiedades, era un cambio de perfil (profile) de color, que es ni más ni menos, que el parámetro que da a una imagen la ubicación cromática en el espectro.

EL PROBLEMA

Cuando uno trabaja desde un archivo RAW, importado desde Adobe Bridge, el perfil de color asignado por defecto es el Adobe RGB (1988), que siempre se comporta de maravillas, pero que puede producir variaciones de color cuando vemos esa imagen a través de un producto que utiliza otro perfil de color, por ejemplo, los navegadores web.

Diciéndolo de manera más simple, estamos visualizando el color a través de otra gama, lo cual hace que la imagen que terminamos de editar, que en la práctica hace que se vea con colores más chatos y menos saturados.

LA SOLUCIÓN

Hay dos soluciones rápidas a este problema:

1. Asignar el perfil de color correspondiente a visualización en pantalla, cuando abrimos el archivo RAW.
   Eso lo hacemos clickeando en la parte inferior de la pantalla, donde aparece el perfil actual (que generalmente es AdobeRGB).
   Cuando abramos la imagen, la procesemos y grabemos ya estaremos visualizando los colores de manera casi idéntica a la mayoría de navegadores web.
   

2. Cambiar el perfil de color desde Photoshop, cuando terminamos la edición.
   
   • Primero abrimos el archivo con la imagen correspondiente.
   • En los menues principales, buscamos Edit > Convert to Profile…
     Esta opción es útil porque por más que no terminemos transformando el perfil de color, nos va a brindar la información de cual estamos usando actualmente.

     

   • Para que tengamos control de los colores que se ven en pantalla y en Flickr, tenemos que cambiar el perfil de color de la imagen por sRGB, o sRGB IEC61966-2.1. Notaremos un cambio de la paleta, si los colores son muy saturados, se apagarán un poco. Entonces ahora, con este nuevo perfil, hacemos los retoques que necesitemos para acercarlos al resultado deseado, y listo, grabamos el archivo en JPG

     

CONCLUSION

1. El primer método, asignará el perfil de color al principo del Workflow (nuestro flujo de trabajo), y todos los cambios subsiguientes arrastrarán ese perfil, lo cual nos ahorra tiempo para llegar al resultado final.
2. El segundo método por el contrario, será más útil si ya hemos retocado la foto, y queremos que respete sus colores cuando la visualizamos a través de un navegador (Flickr por ejemplo).Sin embargo, una vez que asignemos el nuevo perfil, habrá que chequear las inconsistencias de color que surgirán, y ajustar la nueva imagen antes de ser grabada.

Espero que les sirva.

Eduardo Cesario

Este cartel comenzó por dos vertientes de diseño paralelas, pero similares. En ambos casos se ha buscado el contraste, la saturación, y la pregnancia.

Se re utilizaron elementos gráficos de Diafragma Loco, a pedido de Jonas, para emparentar más la estética con la línea gráfica que el estudio propone, hace ya unos 2 años.

La diversidad de piezas y necesidades comunicacionales de la Escuela que hemos proyectado y diseñado a lo largo del 2006-2007-2008, y las que estamos finalizando en el principio del 2009, apuestan a un sistema gráfico abierto, donde las constantes serán el uso del color, los contrastes, las formas orgánicas, y la originalidad y audacia empleadas en el planteo gráfico-retórico.

Eduardo Cesario

¡ESTEN ATENTOS!

Eduardo Cesario

 
¿Cómo plantear el tema del uso de color, combinando lo mejor de los dos mundos? (el fotográfico y el del diseño gráfico)

El desafío docente y pedagógico ataca cada vez que uno busca hacer de una clase algo divertido, sin perder el rigor técnico que cualquier materia trae consigo.

Entonces aquí estaba, con la búsqueda de un camino lúdico/educacional para hablar de color a futuros fotógrafos.

Partiendo de la base que nuestro sistema visual percibe básicamente por contrastes, y luego de haber explicado armonías de color, me pareció que la manera de abordar el tema era usando la investigación de contrastes que hizo Johannes Itten.

El procedimiento fue el siguiente:

1. Pedí a los chicos que produzcan al menos dos fotografías, una en clave alta (high key) y otra a contraluz, de cada grupo. Esa fotografía la tomaron en la clase de Producción y Toma, materia que dicta Hernán Sveldorff. Es de vital importancia que la toma sea en alguna de estas dos modalidades, ya que lo que buscamos es un alto contraste, para que se definan bien las siluetas.
2. En clase, la consigna fue armar un collage, con técnicas y materiales libres, pensando en que iba a interactuar con su propia foto en una composición de colores.
3. Fotografiamos los collages realizados.
4. Luego les expliqué, con una pequeña demostración, como usar esa foto para generar un trace (o traza) en el Adobe Illustrator. De esta manera, podrían manipular la imagen en vectores (contornos), y cambiar fácilmente los colores de fondo y figura.
5. La consigna final fue usar criterios de analogías y contrastes para ver diferentes resultados, usando un color de fondo, el collage, en otro color, y la foto de ellos, a su vez, en otro tinte. Entonces dispondrían de 3 "capas" formales, para plantear diferentes combinatorias de color.
6. Entregar una pieza (afiche 50×70cm) mostrando las combinatorias realizadas.

Resultó ser un método interesante, y que fue implementado a lo largo de una clase, lo cual creó un entorno dinámico:

1. Parte experimental (collage)
2. La digitalización (fotografía)
3. Manipulación (vectorización)
   
4. y composición final (illustrator)

Una experincia que definitivamente voy a repetir en la materia, ya que los resultados me han sorprendido gratamente, y los chicos aprendieron un procedimiento bastante directo y sin la necesidad de tanto contenido teórico.

Eduardo Cesario