Quien hubiera dicho que un diseñador gráfico se vería complacido en tipear, si, tipear, el código de un sitio en vez de usar alguna interface o software preparados para tal fin?

Sinceramente, yo nunca lo pensé. Ahora, si hoy en día me preguntan si lo hago, y si, la verdad es que me es mucho más práctico y ahorra problemas, a pesar de que siempre preferí usar interfases mucho más didácticas.

Cuando comencé a diseñar basándome en estándares y usabilidad, allá por el 2005, esa tarea me parecía monumental, inalcanzable, inaccesible… buscaba siempre aplicaciones que auxiliaran a mi ojo, entrenado esencialmente en lo visual. Conviví con el Dreamweaver (por aquella época Macromedia Dreamweaver), luchando con versiones viejas menos preparadas a la correcta pre-visualización de Cascade Style Sheets…

A mediados del año pasado, sin darme cuenta, estaba usando el Smultron (el mejor editor de texto para mac, a menos para su seguro servidor), y tipeando la mayoría del código de la plantilla que estaba desarrollando "a mano".

Llegué a este punto gracias a una gran virtud que nos da el trabajar con CCS y xhtml strict: el poder de abstracción. Usualmente, dibujo un layout modelo al cual quiero llegar, y armo un anteproyecto (lo más parecido a lo que pretendo diseñar en la realidad del código), y ahí distribuyo en divs y secciones las partes del diseño.

Luego voy abriendo y cerrando los tags, todo tipeado. Esto me permite aprovechar las siguentes ventajas:

1. Errores de validación casi nulos: es muy difícil que tipee algún tag incorrecto, o que complique mucho el código (esto en general es hecho por los distintos programas destinados a diseño web, ya que deducen donde incia y terminan los tags, y muchas veces por cerrar alguno que quedo abierto, lo hacen mal).
2. Simplificación de la estructura: al uno estar desarrollando palmo a palmo el código, tiende a que éste sea lo menos complejo posible (por comodidad, prolijidad, etc).
3. Orden en la estructuración del contenido y sus propiedades: voy asignando las clases y selectores a medida que voy ingresando el código, a pesar que estos aún no existen (la hoja de estilos es el siguiente paso).
4. Coherencia entre la hoja de estilos y el código: ya que baso todo el trabajo de CSS en el código previamente concebido. Esto deriva en no tener miles de clases y estilos que se han dejado de usar porque se cambió la estructura del código, pasando a ser inútiles, ya que es raro que éste cambie en su esencia una vez que ha sido estructurado.

Lógicamente, reconozco que para llegar a este nivel de geekeada (si se me permite el neologismo), se requiere un poco de experiencia en el tema. En mi caso, el mismo camino me fue llevando a adoptar esta modalidad de trabajo. No digo que sea la única, ni mucho menos la "correcta", pero me pareció interesante compartir la experiencia. Sería interesante conocer opiniones de colegas que por casualidad lleguen a este blog…

Saludos y feliz 2010!

Eduardo Cesario

PD: quédense tranquilos, si me copio el DOCTYPE con copy paste del Dreamweaver!

Este proyecto fue apasionante desde el comienzo, ya que una de las más grandes satisfacciones personales, es cuando a uno lo dejan trabajar y diseñar con libertad. The Music Store , de Carlos Sterni, es una tienda especializada en música (hay de todo, pero sin dudas van a encontrar títulos pocos convencionales). El valor agregado de esta tienda es la calidad de atención, la personalización y la responsabilidad en la venta de música, rubro que ha quedado en manos de cadenas que no ofrecen casi ninguno de estos atributos.

Nosotros diseñamos la identidad de la marca hace unos años, y al tiempo lanzamos la primer versión del website, montada en SilverStripe. Pero dadas las limitaciones con las que nos topamos en cierto punto, propusimos a nuestro cliente cambiar la estructura del sitio, y a apoyarla en una base mucho más robusta en cuanto al manejo de títulos, productos y demás.

Para ello readaptamos (pulimos y mejoramos también) el diseño original. Luego de un período de prueba, oficializamos el relanzamiento de la web , con más de 1000 artículos que podrán consultar.

Espero sea de vuestro agrado.

Eduardo Cesario

Iba a comenzar estas breves líneas con la frase “Ayudándome del entorno para crear”, pero no quería que la frase suene pretenciosa. A veces, creo que “creo”, otras quizás sólo concreto ideas en algo gráficamente atractivo. Meterme en la filosófica tarea de desentrañar diferencias entre crear y diseñar, no es la idea de lo que quería compartir, y sin dudas requeriría de un estudio e investigación mucho más fundada que la simple experiencia de su seguro servidor.
La situación concreta que el diseñador enfrenta a la hora de diseñar, es justamente contar de ciertas musas inspiradoras, mas allá de conceptos que justifiquen o avalen la tarea. Es sabido que el diseño, como actividad proyectual (así enseñado en la Universidad de Buenos Aires), se sirve de conceptos e ideas que apoyan lo estético/gráfico/expresivo. De la profundidad de la idea, o su originalidad, se sustenta (con suerte) el diseño, y es el aliado ideal para poder exponer los por qué de lo que hacemos.
Si bien esta parte de la historia es importante, y conocida por cualquier persona que haya estudiado o esté estudiando una carrera de las denominadas “Proyectuales” (Arquitectura, y los diferentes sabores del diseño), hay más ingredientes que suelen ayudarme a la hora de abordar cualquier proyecto creativo.

• Sobre el entorno general: buscar que parte del día es la que genera mejor clima y predisposición para trabajar (durante el día, con luz de sol, de noche, etc.). Esto suele variar, muchas veces por las propias reflexiones internas.
• Luego la historia continua optando por un soporte más “sensible” para bocetar, yo suelo usar hojas 35×50 de dibujo, o algún block para dibujar. Esto descontractura la relación hombre-máquina. Muchos diseños terminan siendo basura por sentarse directamente en la computadora a diseñar.
• Instrumentos para realizar la puesta o el boceto: dependiendo el grado de libertad, tratar siempre de escapar al tradicional portaminas y buscar pinceles, plumas, etc.
• Buscar información sensorial que pueda nutrir el proyecto: si hay algún género musical que “ilustre” el concepto en cuanto a sensaciones, está bueno dejarse influenciar por el sentido del oído, aunque más no sea inconcientemente. Eso de alguna forma u otra se plasma en el trabajo.
• Si hay información sensorial “pertinente”, investigar sobre ella y tratar de aplicarla durante el proceso de bocetado y diseño.
• Por último, muchas veces ocurre que el pensar tanto en el fin, contractura el proceso creativo: el no ponerse un límite a la hora del boceto o la concepción de un original, suele ser más fructífero que el acotarse al fin mismo. Traducido, si hay que usar más hojas para pruebas y pruebas, hacerlo.

Estan han sido unas notas que espero sirvan a mejorar sus experiencias “creativas”.

Eduardo Cesario

Eduardo Cesario

"OoooOoo"

Hace un par de horas visité la muestra del Salón Nacional, en el Palais de Glace. Para aquellos que no lo hayan hecho y les interese la fototografía, encontrarán una selección interesante de obra fotográfica de distintos autores, y otro tanto sobre instalaciones y nuevos soportes, como para chusmear las nuevas intervenciones que los artistas de nuestro medio están trabajando.

Salí de la muestra gratificado, ya que Juan Sánchez, mi ayudante en Diseño y Percepción (materia que dicto en Motivarte), fue uno de los seleccionados para colgar material en el Salón.

Mientras volvía, me quedó dando vueltas en la cabeza una idea que parecía simple, pero que creo que es necesariamente cierta:

Muchas de las obras y trabajos que vi, cobraban sentido y tenían mucha más gracia, cuando leía el título que sus autores habían puesto a los mismos. Funciona todo perfectamente cuando el título refuta, confirma, ironiza, acota o ayuda en algún punto, a terminar de construir el fotograma o la instalación (o la música, y así con cualquier rama del arte, me animaría a decir).

Y es en este punto que el título puede llegar a ser tan importante (a veces más) que la calidad final de la obra a la que representa. Lógicamente, esta dosificación estará dada también, quizá, por la necesidad que tenga la obra en particular de completar su signficado o sentido, y de esa manera llegar mejor al espectador, permitiendo cerrar el círculo perceptivo de quien trata de adentrarse en la experiencia que proponemos, cuando decidimos mostrar nuestro trabajo al mundo.

Eduardo Cesario

Pesadilla de diseñadores gráficos: diseñar su propio sitio web. O diseñar su portfolio, o diseñar practicamente cualquier cosa que nos ponga como comitentes.

Es así estimados amigos: cuando el ojo de la tormenta gráfica se cierra sobre nuestro propio trabajo, no sabemos para donde correr.

¿Qué hace tan desfiante este mal generalizado en nuestra raza?

El problema pasa simplemente porque el otro, el que nos devuelve y nos da feedback sobre lo que hacemos, somos nosotros mismos. Hay que aclarar muy bien el camino para saber lo que realemente queremos plasmar, y no dar marcha atrás o cambiar sobre la marcha.

Es que ser uno mismo el límite, es complicado.

No hay presupuestos que nos limiten, no hay fechas de entrega ciertas, no hay estéticas determinadas a seguir, quizá hasta no haya un brief marketinero que nos diga que hacer y que no.

Y es ahí donde uno de los males más temidos aparece: la neurosis gráfica.

¿Y qué es eso?

Bueno, es una "patología" privativa de los diseñadores gráficos, cuyos efectos sobre la salud mental y visual son terribles, entre ellos:

• girar en círculos con ilimitadas propuestas de diseño,
• cambiar la marca obsesivamente,
• optar por distintos colores,
• tirar el layout al diablo…
• y rediseñar todo de cero, eso unas veinte veces, si no más.

Esta sintomatología puede variar según la gravedad del caso en cuestión.

Cómo remediar el problema

Lamentablemente no hay medicación que de una solución definitiva a este problema. Pero puedo sugerir una práctica recomendada, que según mi modesta experiencia, funciona muy bien, y se sintetiza en:

Dejarse ser gráficamente.

En el caso práctico del sitio web, empezar a subir cosas. Diseñar sin pensar tanto, ir publicando y retocando sobre la marcha. Particularmente en el caso de los sitios web, tenemos la enorme ventaja de poder ir alterando los contenidos en el proceso, y no dejar "marcas".

La mejor práctica es lanzarse de lleno en el proceso, e ir modificando y alterando los contenidos, las diferentes mutaciones irán tomando forma, hasta que llegue el momento en que la versión "definitiva" salga a la luz.

Y digo "definitiva", porque yo también soy un neurótico.

Eduardo Cesario

¿Qué está pasando en la internet?

Sabemos por un lado,que la gente usa cada vez más los sitios de redes sociales, y las "modernosas" webs en flash, que daban vuelta el monitor, están siendo creadas y pensadas con mucho más criterio, para empresas o personas que realmente necesitan tanto movimiento.

Mientras tanto, los blogs parecen ser una herramienta que todo el mundo hoy posee. Antes diseñar un blog requería de unos mínimos conocimientos de html, php y manejo de hosts… hoy, con sólo darse de alta en algún servicio gratuito, casi instanáneamente dispondremos de un sitio con blog propio.

De la mano del avance de las hojas de estilo o cascade style sheets, el diseño abandonó su rol de "el malo de la película" para convertirse en un aliado que metaboliza perfectamente la funcionalidad con el sentido estético.

Y…. paralelamente a todo esto, comienzan a aparecer sitios como Twitter, que nos proponen una aparentemente simple pregunta: ¿Qué estás haciendo ahora?, contestarla implica usar un máximo de 140 caracteres… este servicio no propone que escribamos un blog, pero ciertamente está a medio camino.

Lo que comenzó con los feeds de los blogs, un archivo con formato de texto estandarizado, que permite tomar esos contenidos y presentarlos en un sitio web (o en varios), ya hoy en día se ha convertido en parte de la vida cotidiana de cualquier internauta que se precie.

Por qué digo que el mundo cabe en un feed… bueno, pónganse a observar: blogs (propietarios o gratuitos), Twitter, Facebook usa feeds constantemente para publicar diferentes actividades del usuario, LinkedIn, otra red social orientada al mercado laboral hace lo mismo. Por otro lado, cualquier feed del tipo RSS es importable de casi cualquier otro sitio web, siempre y cuando sea viable su republicación.

El feed, la "comida", sólo genera más hambre en millones de internautas que constantemente buscan más y más información, y cuanto más instantánea, mejor.

Incluso existen lo que yo llamo meta-feeds: Facebook republicando blogs, Facebook republicando a Twitter!

Como todo exceso de información, puede transformarse en algo perjudicial si no sabemos administrarla, queda en nosotros tener criterio de qué leer y no perdernos en la maraña de la internet.

Eduardo Cesario

A veces suele ocurrir que a la hora de llevar adelante el proceso de diseño, la cuestión se complica cuando el cliente no está conforme con nada (o prácticamente nada) de lo que se le propone.

Esto puede deberse a múltiples razones, pero hay algunas que ocurren habitualmente, como pueden ser: un cliente conflictivo que no sabe realmente que quiere, que no se le presenta ninguna propuesta que encaje estéticamente con lo pedido, que el diseñador no capta la idea fuerza a transmitir, etc.

Otras veces lo que pasa es que el criterio de filtro para seleccionar las propuestas a presentar, no coincide con lo que busca el cliente. Y aquí si tenemos responsabilidad directa nosotros.

Como es imposible saber que quiere exactamente el cliente, cuando la situación se torna errática y desesperanzadora, me parece una muy buena idea el usar los bocetos de nuestro trabajo para abrir el juego creativo con él.

Generalmente uno se muestra con cierto recelo a la hora de mostrar los bocetos del diseño, por ejemplo, de un isologotipo. Pero la realidad es que muchas veces me ha sido de particular ayuda, abrir la cuestión y hacer sentir más responsable al ciiente de su futuro diseño, mostrando diferentes líneas creativas en un trabajo. De esta forma logro que el cliente se involucre más en el diseño mismo de su pieza, y que no sea un reino inaccesible donde el diseñador es amo y señor.

Desde ya que esta práctica no es siempre imprescindible, pero en ciertas circunstancias, donde la fluidez del trabajo se ve "empastada" por indecisión o falta de criterio común, esta sugerencia me ha dado buenos resultados, espero que a ustedes también.

Eduardo Cesario

A veces nos disfrazamos de ilustradores,
Otras de fotógrafos.
Nos gusta llamarnos "creativos",
Diseñamos con el alma,
con color,
con forma y función,
no olvidemos la pasión,
que ésto tiene mucho,
Fuerte que no los escucho,
Feliz día del Diseñador!

Eduardo Cesario

Ayer viajando para el estudio venía leyendo un libro, muy recomendable, "Free Play" (de Stephen Nachmanovitch), y escuchando unos soundscapes de Robert Fripp. Estaba bastante ensimismado en la lectura, ya que había preparado mi propio microclima, ayudado por la música etérea y minimalista, que sin lugar a dudas ayudaba a concentrarme aún más en el libro.

De modo casual, el capítulo que estaba leyendo trataba el tema de la Obra y la producción artística basada en la improvisación. Casi como "guionado", fue que un momento de silencio músical me permitió escuchar un fragmento de un diálogo entre una mamá y su hija, que tendría algo así como 6 o 7 años:

Mamá: -Hoy hay una obra a las 3 y media para chicos..

Hija: -Pero la obra la hacemos o la miramos?

Esta respuesta, sorprendió a la mamá, pero no creo que tanto como a mí. Yo seguía absorto en la mezcla de semejante respuesta, la lectura filosófica sobre la producción artística, más la suma de los soundscapes.

Me quedé pensando largo rato, sobre como el entorno, el mundo, el arte, los medios, la observación, el aprendizaje, la vida en sí, todo va cambiando a un ritmo muy vertiginoso. La nena se preocupó en saber si sería protagonista, si "haría" la obra. Este conjunto de palabras, tiene un increíble contenido psicológico, una madurez y una retórica increíble para una nena pequeña.

¡A que nivel la vida infantil se tornó en interacción!

En vano sería ponerme a recordar una situación análoga en mis recuerdos más lejanos… hoy los chicos se preocupan por absorver arte, por entrar al mundo, en incluirse, formar parte del todo. Me parece increíble y quería compartirlo en el blog, ya que creo que esto nos da las pautas bien claras por donde viene la realidad, y la percepción de hoy en día.

Es un elemento clave para entender nuestro entorno, y sacarle el mejor provecho como profesionales.

Eduardo Cesario