"OoooOoo"

Hace un par de horas visité la muestra del Salón Nacional, en el Palais de Glace. Para aquellos que no lo hayan hecho y les interese la fototografía, encontrarán una selección interesante de obra fotográfica de distintos autores, y otro tanto sobre instalaciones y nuevos soportes, como para chusmear las nuevas intervenciones que los artistas de nuestro medio están trabajando.

Salí de la muestra gratificado, ya que Juan Sánchez, mi ayudante en Diseño y Percepción (materia que dicto en Motivarte), fue uno de los seleccionados para colgar material en el Salón.

Mientras volvía, me quedó dando vueltas en la cabeza una idea que parecía simple, pero que creo que es necesariamente cierta:

Muchas de las obras y trabajos que vi, cobraban sentido y tenían mucha más gracia, cuando leía el título que sus autores habían puesto a los mismos. Funciona todo perfectamente cuando el título refuta, confirma, ironiza, acota o ayuda en algún punto, a terminar de construir el fotograma o la instalación (o la música, y así con cualquier rama del arte, me animaría a decir).

Y es en este punto que el título puede llegar a ser tan importante (a veces más) que la calidad final de la obra a la que representa. Lógicamente, esta dosificación estará dada también, quizá, por la necesidad que tenga la obra en particular de completar su signficado o sentido, y de esa manera llegar mejor al espectador, permitiendo cerrar el círculo perceptivo de quien trata de adentrarse en la experiencia que proponemos, cuando decidimos mostrar nuestro trabajo al mundo.

Eduardo Cesario

Pesadilla de diseñadores gráficos: diseñar su propio sitio web. O diseñar su portfolio, o diseñar practicamente cualquier cosa que nos ponga como comitentes.

Es así estimados amigos: cuando el ojo de la tormenta gráfica se cierra sobre nuestro propio trabajo, no sabemos para donde correr.

¿Qué hace tan desfiante este mal generalizado en nuestra raza?

El problema pasa simplemente porque el otro, el que nos devuelve y nos da feedback sobre lo que hacemos, somos nosotros mismos. Hay que aclarar muy bien el camino para saber lo que realemente queremos plasmar, y no dar marcha atrás o cambiar sobre la marcha.

Es que ser uno mismo el límite, es complicado.

No hay presupuestos que nos limiten, no hay fechas de entrega ciertas, no hay estéticas determinadas a seguir, quizá hasta no haya un brief marketinero que nos diga que hacer y que no.

Y es ahí donde uno de los males más temidos aparece: la neurosis gráfica.

¿Y qué es eso?

Bueno, es una "patología" privativa de los diseñadores gráficos, cuyos efectos sobre la salud mental y visual son terribles, entre ellos:

• girar en círculos con ilimitadas propuestas de diseño,
• cambiar la marca obsesivamente,
• optar por distintos colores,
• tirar el layout al diablo…
• y rediseñar todo de cero, eso unas veinte veces, si no más.

Esta sintomatología puede variar según la gravedad del caso en cuestión.

Cómo remediar el problema

Lamentablemente no hay medicación que de una solución definitiva a este problema. Pero puedo sugerir una práctica recomendada, que según mi modesta experiencia, funciona muy bien, y se sintetiza en:

Dejarse ser gráficamente.

En el caso práctico del sitio web, empezar a subir cosas. Diseñar sin pensar tanto, ir publicando y retocando sobre la marcha. Particularmente en el caso de los sitios web, tenemos la enorme ventaja de poder ir alterando los contenidos en el proceso, y no dejar "marcas".

La mejor práctica es lanzarse de lleno en el proceso, e ir modificando y alterando los contenidos, las diferentes mutaciones irán tomando forma, hasta que llegue el momento en que la versión "definitiva" salga a la luz.

Y digo "definitiva", porque yo también soy un neurótico.

Eduardo Cesario

¿Qué está pasando en la internet?

Sabemos por un lado,que la gente usa cada vez más los sitios de redes sociales, y las "modernosas" webs en flash, que daban vuelta el monitor, están siendo creadas y pensadas con mucho más criterio, para empresas o personas que realmente necesitan tanto movimiento.

Mientras tanto, los blogs parecen ser una herramienta que todo el mundo hoy posee. Antes diseñar un blog requería de unos mínimos conocimientos de html, php y manejo de hosts… hoy, con sólo darse de alta en algún servicio gratuito, casi instanáneamente dispondremos de un sitio con blog propio.

De la mano del avance de las hojas de estilo o cascade style sheets, el diseño abandonó su rol de "el malo de la película" para convertirse en un aliado que metaboliza perfectamente la funcionalidad con el sentido estético.

Y…. paralelamente a todo esto, comienzan a aparecer sitios como Twitter, que nos proponen una aparentemente simple pregunta: ¿Qué estás haciendo ahora?, contestarla implica usar un máximo de 140 caracteres… este servicio no propone que escribamos un blog, pero ciertamente está a medio camino.

Lo que comenzó con los feeds de los blogs, un archivo con formato de texto estandarizado, que permite tomar esos contenidos y presentarlos en un sitio web (o en varios), ya hoy en día se ha convertido en parte de la vida cotidiana de cualquier internauta que se precie.

Por qué digo que el mundo cabe en un feed… bueno, pónganse a observar: blogs (propietarios o gratuitos), Twitter, Facebook usa feeds constantemente para publicar diferentes actividades del usuario, LinkedIn, otra red social orientada al mercado laboral hace lo mismo. Por otro lado, cualquier feed del tipo RSS es importable de casi cualquier otro sitio web, siempre y cuando sea viable su republicación.

El feed, la "comida", sólo genera más hambre en millones de internautas que constantemente buscan más y más información, y cuanto más instantánea, mejor.

Incluso existen lo que yo llamo meta-feeds: Facebook republicando blogs, Facebook republicando a Twitter!

Como todo exceso de información, puede transformarse en algo perjudicial si no sabemos administrarla, queda en nosotros tener criterio de qué leer y no perdernos en la maraña de la internet.

Eduardo Cesario

A veces suele ocurrir que a la hora de llevar adelante el proceso de diseño, la cuestión se complica cuando el cliente no está conforme con nada (o prácticamente nada) de lo que se le propone.

Esto puede deberse a múltiples razones, pero hay algunas que ocurren habitualmente, como pueden ser: un cliente conflictivo que no sabe realmente que quiere, que no se le presenta ninguna propuesta que encaje estéticamente con lo pedido, que el diseñador no capta la idea fuerza a transmitir, etc.

Otras veces lo que pasa es que el criterio de filtro para seleccionar las propuestas a presentar, no coincide con lo que busca el cliente. Y aquí si tenemos responsabilidad directa nosotros.

Como es imposible saber que quiere exactamente el cliente, cuando la situación se torna errática y desesperanzadora, me parece una muy buena idea el usar los bocetos de nuestro trabajo para abrir el juego creativo con él.

Generalmente uno se muestra con cierto recelo a la hora de mostrar los bocetos del diseño, por ejemplo, de un isologotipo. Pero la realidad es que muchas veces me ha sido de particular ayuda, abrir la cuestión y hacer sentir más responsable al ciiente de su futuro diseño, mostrando diferentes líneas creativas en un trabajo. De esta forma logro que el cliente se involucre más en el diseño mismo de su pieza, y que no sea un reino inaccesible donde el diseñador es amo y señor.

Desde ya que esta práctica no es siempre imprescindible, pero en ciertas circunstancias, donde la fluidez del trabajo se ve "empastada" por indecisión o falta de criterio común, esta sugerencia me ha dado buenos resultados, espero que a ustedes también.

Eduardo Cesario

A veces nos disfrazamos de ilustradores,
Otras de fotógrafos.
Nos gusta llamarnos "creativos",
Diseñamos con el alma,
con color,
con forma y función,
no olvidemos la pasión,
que ésto tiene mucho,
Fuerte que no los escucho,
Feliz día del Diseñador!

Eduardo Cesario

Ayer viajando para el estudio venía leyendo un libro, muy recomendable, "Free Play" (de Stephen Nachmanovitch), y escuchando unos soundscapes de Robert Fripp. Estaba bastante ensimismado en la lectura, ya que había preparado mi propio microclima, ayudado por la música etérea y minimalista, que sin lugar a dudas ayudaba a concentrarme aún más en el libro.

De modo casual, el capítulo que estaba leyendo trataba el tema de la Obra y la producción artística basada en la improvisación. Casi como "guionado", fue que un momento de silencio músical me permitió escuchar un fragmento de un diálogo entre una mamá y su hija, que tendría algo así como 6 o 7 años:

Mamá: -Hoy hay una obra a las 3 y media para chicos..

Hija: -Pero la obra la hacemos o la miramos?

Esta respuesta, sorprendió a la mamá, pero no creo que tanto como a mí. Yo seguía absorto en la mezcla de semejante respuesta, la lectura filosófica sobre la producción artística, más la suma de los soundscapes.

Me quedé pensando largo rato, sobre como el entorno, el mundo, el arte, los medios, la observación, el aprendizaje, la vida en sí, todo va cambiando a un ritmo muy vertiginoso. La nena se preocupó en saber si sería protagonista, si "haría" la obra. Este conjunto de palabras, tiene un increíble contenido psicológico, una madurez y una retórica increíble para una nena pequeña.

¡A que nivel la vida infantil se tornó en interacción!

En vano sería ponerme a recordar una situación análoga en mis recuerdos más lejanos… hoy los chicos se preocupan por absorver arte, por entrar al mundo, en incluirse, formar parte del todo. Me parece increíble y quería compartirlo en el blog, ya que creo que esto nos da las pautas bien claras por donde viene la realidad, y la percepción de hoy en día.

Es un elemento clave para entender nuestro entorno, y sacarle el mejor provecho como profesionales.

Eduardo Cesario

 
¿Cómo plantear el tema del uso de color, combinando lo mejor de los dos mundos? (el fotográfico y el del diseño gráfico)

El desafío docente y pedagógico ataca cada vez que uno busca hacer de una clase algo divertido, sin perder el rigor técnico que cualquier materia trae consigo.

Entonces aquí estaba, con la búsqueda de un camino lúdico/educacional para hablar de color a futuros fotógrafos.

Partiendo de la base que nuestro sistema visual percibe básicamente por contrastes, y luego de haber explicado armonías de color, me pareció que la manera de abordar el tema era usando la investigación de contrastes que hizo Johannes Itten.

El procedimiento fue el siguiente:

1. Pedí a los chicos que produzcan al menos dos fotografías, una en clave alta (high key) y otra a contraluz, de cada grupo. Esa fotografía la tomaron en la clase de Producción y Toma, materia que dicta Hernán Sveldorff. Es de vital importancia que la toma sea en alguna de estas dos modalidades, ya que lo que buscamos es un alto contraste, para que se definan bien las siluetas.
2. En clase, la consigna fue armar un collage, con técnicas y materiales libres, pensando en que iba a interactuar con su propia foto en una composición de colores.
3. Fotografiamos los collages realizados.
4. Luego les expliqué, con una pequeña demostración, como usar esa foto para generar un trace (o traza) en el Adobe Illustrator. De esta manera, podrían manipular la imagen en vectores (contornos), y cambiar fácilmente los colores de fondo y figura.
5. La consigna final fue usar criterios de analogías y contrastes para ver diferentes resultados, usando un color de fondo, el collage, en otro color, y la foto de ellos, a su vez, en otro tinte. Entonces dispondrían de 3 "capas" formales, para plantear diferentes combinatorias de color.
6. Entregar una pieza (afiche 50×70cm) mostrando las combinatorias realizadas.

Resultó ser un método interesante, y que fue implementado a lo largo de una clase, lo cual creó un entorno dinámico:

1. Parte experimental (collage)
2. La digitalización (fotografía)
3. Manipulación (vectorización)
   
4. y composición final (illustrator)

Una experincia que definitivamente voy a repetir en la materia, ya que los resultados me han sorprendido gratamente, y los chicos aprendieron un procedimiento bastante directo y sin la necesidad de tanto contenido teórico.

Eduardo Cesario

El color es una herramienta expresiva de muchísima influencia en nuestra vida cotidiana, independientemente de nuestra actividad, seamos diseñadores, fotógrafos, publicistas o cualquier otra disciplina que se sirva de éste para comunicar. Como comunicadores visuales o artistas de alguna especie, o bien, siendo destinatarios de estos y otros estímulos, el color implica comunicar en el amplio espectro que reviste esta palabra.

No podemos escapar al efecto del color. Esto es como cuando aprendemos a leer: inevitablemente, seguiremos leyendo, no podemos "no leer" tal o cual frase o letra. La percepción cromática, es un fenómeno similar.

El color trasciende su mismo nombre, para generar infinitos y múltiples estímulos en cada uno de nosotros. Particularmente en mi experiencia profesional, y en mi propio estilo, el color es una herramienta imprescindible para dar carácter y significación a cualquier pieza de diseño o fotografía.

Vasily Kandinsky

Desde que vi por primera vez el arte de Vasily Kandinsky, supe que eso cambiaría mi forma de experimentar el color. Uno de los primeros no figurativos en utlizar el color de una manera completamente novedosa, revolucionó el uso del color como medio artístico, y como medio de expresión en diferentes artes visuales, cuando luego participó de la Bauhaus como profesor. Sus teorías vinculan el color con la composición musical: la generación de ritmos visuales, composiciones, tensiones, etc. Es particularmente interesante como su afinada y excepcional percepción, también ligo lo espiritual asociado a los diferentes tonos del círculo cromático. También asoció a cada tinte del espectro, formas geométricas simples que reflejan lo sensorial de cada tono. Tratar de sintetizar todas su teorías, sería imposible en este espacio, pero los que quieran ahondar sobre esto pueden hacerlo en el primero de sus dos libros teóricos "De lo Espiritual en el Arte". Allí desarrolla con muchísima claridad su visión peculiar  del color, y algo que me pareció interesante destacar, es como organiza los colores por "antinomias" (que son 3), y da un contexto completamente novedoso y filosófico a lo que puede parecer un simple círculo cromático.

"Los seis colores que en duplas componen las tres grandes antinomias conforman un círculo inmenso, como una serpiente que se muerde la cola (emblema del infinito y la eternidad). A su izquierda y a su derecha se gestan dos grandes posibilidades de silencio: la muerte y el alumbramiento"

 Johannes Itten

Otro talentoso artista y estudioso del color, no sólo pudo expresarse con su arte, sino también por meticulosos estudios de la materia. Si Kandisky conectó mucho más el color a lo espiritual-sensorial-musical en su "teoría", Itten supo hacer lo suyo en el estudio más pormenorizado de lo cromático.

Uno de los ejercicios en su curso de color era el estudio de los 7 contrastes de color, teoría que popularmente es conocida como los siete contrastes de color.

Mi admiración por Itten se centra particularmente en el método y la exploración empírica de la problemática del color, que por su obra. Particularmente en su estudio del tema, clasificó a los posibles contrastes de color en site, que son los siguientes:

1.   Contraste de tintes
2. Contraste de claro-oscuro
3. Contraste de frío-calor
4. Contraste de complementarios
5. Contraste simultáneo (oponencia cromática)
6. Contraste de saturación
7. Contraste de área

 Esto ha sido un intento de reflejar, muy sintéticamente, y quizás hasta imprecisamente, dos grandes artistas y estudiosos de la apasionante materia que representa el color.

Recuerden, indefectiblemente, el color formará por siempre parte de nuestras experiencias, por ello es que hay que tenerlo en cuenta como un potente aliado para comunicar.

Eduardo Cesario

Hace unos meses que estoy dictando la materia Diseño y Percepción de la Imagen, intregrante del Plan de la Carrera de Fotógrafo Profesional de la Escuela de Fotografía Motivarte.

Uno de los desafíos fue el tener que preparar los contenidos del plan de estudios, enmarcado en el programa de la materia. Para ello, lo primero que hice fue reunirme con Alejandro Gandman, docente que dicta la materia por la mañana, para aunar criterios, al menos en la parte general de la asignatura.

En un principio, había decido armar una suerte de calendario, donde redactaría las diferentes actividades y contenidos pertenecientes a la materia. Pero luego me encontré frustrado, ya que nunca podía concentrarme o terminar de reunir los contenidos que quería. Una y otra vez, aparecían cada vez más artistas, autores, textos, ejercicios, apuntes, para abordar las diferentes problemáticas.

Me encontré por momentos sin saber como concretar el bendito programa.

Luego de varios intentos, finalmente decidí hacer una grilla de actividades, pero con papeles coloreados reposicionables.

Fui escribiendo los diferentes contenidos clasificándolos de esta manera:

• Artistas/Diseñadores (rojo)
• Esquicios/Actividades en clase/Illustrator (verde claro)
• Apuntes y contenidos teóricos (blanco)
• Bajadas de prácticos, entregas y devoluciones (rosa)
• Correcciones (verde oscuro)

Utilcé un color para diferenciar cada una de estas áreas a simple vista, y tener un panorama general de los módulos de contenidos que defenirían la cursada. De esta manera, podía ir moviendo y reubicando contenidos o módulos despegando el o los cartoncitos que necesitara.

La experiencia fue muy satisfactoria, ya que una vez que concluí con el reacomodamiento de contenidos, llegué a un resultado más o menos "estable", que es el que estoy utilizando para dictar la materia. Esta manera de organizar los contenidos, es particularmente interesante, ya que el proceso es lúdico, entretenido, y uno no siente que está atándose a ningún organigrama o pauta fija.

Eduardo Cesario

Retomando el tema, el panorma reinante para el diseño web es increiblemente amplio y accesible. Intentaré en estas líneas hacer un breve recorrido de lo que considero más sobresaliente.

Hoy en día, como decía en la primer parte de este artículo, diseñadores gráficos y web nos acercamos mucho más a la funcionalidad y usabilidad de una web, gracias, en parte, a la popularización del trabajo con estándares, como son el xhtml estricto y las hojas de estilo (cascade style sheets). Uno de los colectivos de conicentización más importantes del mundo en cuanto a este punto, es el CSS Zen Garden . En mi experiencia particular, fue la ventana introductoria a este nuevo, y al principio desafiante, mundo de la usabilidad, pudiendo participar en este proyecto con Organica Creativa .

Acompañando a esta revolución orientada a la funcionalidad y usabilidad, también hubo mucho avance en cuanto a la programación web, y la posibilidad de incluir trozos de código, o mini aplicaciones, en nuestros propios sitios web, sin pagar un centavo, gracias a numerosos proyectos comutiarios del tipo Open Source.

La herramienta de animación por excelencia, Flash (de Macromedia, hoy en día de Adobe) siguió su progreso en cuanto a facilidad de uso y estandarización. Actualmente, su uso es más a conciencia en los sitios web, no como al principio de los 90´s, donde todo era un gran sitio animado. Las interfases integran partes realizadas en flash, para enriquecer la experiencia visual que ofrece esta poderosa herramienta, pero no subordinan el uso y la experiencia de un sitio a ésta.

Todos estos vientos de cambio, auspiciosos en mi criterio, vienen acompañados de una verdadera revolución social-virtual, de la mano de la web 2.0, y los sitios web orientados, cada vez más, a la experiencia social, y al intercambio y disponibilidad de todo tipo de contenidos online.

Todo este relato me lleva a concluir en donde quería focalizarme: ¿Cómo es que se verifican todas estas influencias en los sitios web actuales?

Principalmente, en las numerosas nutrientes que disponemos hoy, para transmitir información y contenidos a través de sitios web de terceros, lo que yo denomino, Descentralización de Contenidos.

Sobre esto hablaré en la próxima entrega.

Eduardo Cesario