Paleta atípitca.

Los que me conocen saben que es una tendencia natural para mi trabajar con colores brillantes, puros, contrastados.

¿Y como explicar el relanzamiento de mi sitio web, en un fondo negro que casi copa toda la superficie visual?

Lo más personal y profundo, a veces sale de lugares donde no necesariamente llega la luz, o no en la cantidad que muestra la vida cotidiana. Son reflexiones que vienen de un costado más íntimo, reflexivo, humano.

Pero como una fiera enjaulada, el contraste y la stauración propias de mi "personalidad gráfica", aportan en forma de acentos de color, guías que los llevarán a través de este universo personal, donde muestro un poco más las pasiones, disciplinas y cosas que me movilizan a diario.

Pueden visitarlo en http://www.eduardocesario.com

Espero que lo disfruten

Eduardo Cesario

Iba a comenzar estas breves líneas con la frase “Ayudándome del entorno para crear”, pero no quería que la frase suene pretenciosa. A veces, creo que “creo”, otras quizás sólo concreto ideas en algo gráficamente atractivo. Meterme en la filosófica tarea de desentrañar diferencias entre crear y diseñar, no es la idea de lo que quería compartir, y sin dudas requeriría de un estudio e investigación mucho más fundada que la simple experiencia de su seguro servidor.
La situación concreta que el diseñador enfrenta a la hora de diseñar, es justamente contar de ciertas musas inspiradoras, mas allá de conceptos que justifiquen o avalen la tarea. Es sabido que el diseño, como actividad proyectual (así enseñado en la Universidad de Buenos Aires), se sirve de conceptos e ideas que apoyan lo estético/gráfico/expresivo. De la profundidad de la idea, o su originalidad, se sustenta (con suerte) el diseño, y es el aliado ideal para poder exponer los por qué de lo que hacemos.
Si bien esta parte de la historia es importante, y conocida por cualquier persona que haya estudiado o esté estudiando una carrera de las denominadas “Proyectuales” (Arquitectura, y los diferentes sabores del diseño), hay más ingredientes que suelen ayudarme a la hora de abordar cualquier proyecto creativo.

• Sobre el entorno general: buscar que parte del día es la que genera mejor clima y predisposición para trabajar (durante el día, con luz de sol, de noche, etc.). Esto suele variar, muchas veces por las propias reflexiones internas.
• Luego la historia continua optando por un soporte más “sensible” para bocetar, yo suelo usar hojas 35×50 de dibujo, o algún block para dibujar. Esto descontractura la relación hombre-máquina. Muchos diseños terminan siendo basura por sentarse directamente en la computadora a diseñar.
• Instrumentos para realizar la puesta o el boceto: dependiendo el grado de libertad, tratar siempre de escapar al tradicional portaminas y buscar pinceles, plumas, etc.
• Buscar información sensorial que pueda nutrir el proyecto: si hay algún género musical que “ilustre” el concepto en cuanto a sensaciones, está bueno dejarse influenciar por el sentido del oído, aunque más no sea inconcientemente. Eso de alguna forma u otra se plasma en el trabajo.
• Si hay información sensorial “pertinente”, investigar sobre ella y tratar de aplicarla durante el proceso de bocetado y diseño.
• Por último, muchas veces ocurre que el pensar tanto en el fin, contractura el proceso creativo: el no ponerse un límite a la hora del boceto o la concepción de un original, suele ser más fructífero que el acotarse al fin mismo. Traducido, si hay que usar más hojas para pruebas y pruebas, hacerlo.

Estan han sido unas notas que espero sirvan a mejorar sus experiencias “creativas”.

Eduardo Cesario

Bueno, estos últimos días han sido un tanto agitados para el estudio. Yo soy de los autoexigentes dementes, que cuando no encuentran algo "decente" sobre lo que escribir, deciden callar. A veces, preso de la crítica interna…

Es por eso que ante la falta de un tema, o "el tema" del cual hablar, este post será para contar las últimas novedades en cuanto a proyectos que el estudio está trabajando:

• Finalmente el proyecto Al Sur Digital , ha sido lanzado al eter, aprovecho para felicitar a las autoras de tan ambicioso proyecto: María Solead Barría y María Lucila Colombo, y además los invito a visitar la web , de la cual ya había presentado el diseño de marca e identidad.
• Estamos terminando la folletería institucional de la Escuela de Fotografía Motivarte, que contribuye y asienta el cambio de rumbo y la redefinición a nivel imagen institucional de la Escuela, reformulación que comenzamos allá por el 2006 con trabajos como "Diafragma Loco" y el sistema de señalética, entre otras piezas.
• Se nos ha encargado el rediseño completo del sitio web de Laboratorios Rapela (para quiénes ya habíamos hecho un rediseño en el 2004). Lógicamente, dicho trabajo quedo un tanto desactualizado, y la propuesta de esta vez será mucho más ambiciosa y funcional que la de aquel entonces. Además de ello, normalizaremos la imagen corporativa de la firma, así como también se desarrollará el sistema de señalética para los distintos laboratorios.
• Orgánica Creativa ya cuenta su traducción en alemán! . Gracias a mi amigo Rainer Ebert , quien tuvo la amabilidad de ayudarnos con los textos, es posible visualizar el sitio en dicho idioma.

Bueno, estas son las novedades del estudio, estaré publicando material en la medida que llegue a mis manos

Saludos!

Eduardo Cesario

"OoooOoo"

Hace un par de horas visité la muestra del Salón Nacional, en el Palais de Glace. Para aquellos que no lo hayan hecho y les interese la fototografía, encontrarán una selección interesante de obra fotográfica de distintos autores, y otro tanto sobre instalaciones y nuevos soportes, como para chusmear las nuevas intervenciones que los artistas de nuestro medio están trabajando.

Salí de la muestra gratificado, ya que Juan Sánchez, mi ayudante en Diseño y Percepción (materia que dicto en Motivarte), fue uno de los seleccionados para colgar material en el Salón.

Mientras volvía, me quedó dando vueltas en la cabeza una idea que parecía simple, pero que creo que es necesariamente cierta:

Muchas de las obras y trabajos que vi, cobraban sentido y tenían mucha más gracia, cuando leía el título que sus autores habían puesto a los mismos. Funciona todo perfectamente cuando el título refuta, confirma, ironiza, acota o ayuda en algún punto, a terminar de construir el fotograma o la instalación (o la música, y así con cualquier rama del arte, me animaría a decir).

Y es en este punto que el título puede llegar a ser tan importante (a veces más) que la calidad final de la obra a la que representa. Lógicamente, esta dosificación estará dada también, quizá, por la necesidad que tenga la obra en particular de completar su signficado o sentido, y de esa manera llegar mejor al espectador, permitiendo cerrar el círculo perceptivo de quien trata de adentrarse en la experiencia que proponemos, cuando decidimos mostrar nuestro trabajo al mundo.

Eduardo Cesario

Este cartel comenzó por dos vertientes de diseño paralelas, pero similares. En ambos casos se ha buscado el contraste, la saturación, y la pregnancia.

Se re utilizaron elementos gráficos de Diafragma Loco, a pedido de Jonas, para emparentar más la estética con la línea gráfica que el estudio propone, hace ya unos 2 años.

La diversidad de piezas y necesidades comunicacionales de la Escuela que hemos proyectado y diseñado a lo largo del 2006-2007-2008, y las que estamos finalizando en el principio del 2009, apuestan a un sistema gráfico abierto, donde las constantes serán el uso del color, los contrastes, las formas orgánicas, y la originalidad y audacia empleadas en el planteo gráfico-retórico.

Eduardo Cesario

Debo confesar que era una experiencia que quise hacer desde que daba clases en la UBA, hace ya unos años.

Y ahora, pudiendo decidir directamente sobre las dinmámicas, contenidos y ejercicios de la materia que dicto (Diseño y Percepción de la Imagen), fue casi irresistible no plantearla como trabajo práctico.

La idea fue creciendo en mi cabeza, cada vez más, y no me conformé con darlo como práctico, sino como Examen Final de la materia, desición que fue de por sí arriesgada, dado el hecho de que no habría correcciones previas, y el vértigo mismo de poner a prueba a los chicos, lo que aprendieron en mi clase, y la recepción de las diferentes músicas, en muchos casos no del todo amigables, hacían de esta dinámica, algo arriegado… pero irresistiblemente divertido también.

Seleccioné 20 discos de bandas que no serían muy conocidas para los chicos, y confieso (ya van dos confesiones en muy poco texto) que esos discos son de mi agrado (algunos me gustan muchísimo).

La consigna es simple: en base al disco asignado a cada alumno, proceso realizado por sorteo, en clase, debería elaborar el arte del álbum, a partir de fotografías tomadas por él, sin límite en otras técnicas involucradas en el proceso, como ser, collage, pintura, recortes, uso de tipografía, color,  etc., para llegar a producir un diseño final sustentado ya sea por criterios conceptuales, estéticos, experimentales, o alguna justificación que abale el proceso.

Los discos fueron:

• Rush, 2112
• Gongzilla, Suffer
• Miles Davis, Amandla
• Peter Gabriel, Passion
• Steve Hackett, Defector
• King Crimson, In the Court of the Crimson King
• Steve Vai, Flexable
• Jean Michel Jarre, Oxygene
• The Cure, Pornography
• Emerson Lake & Palmer, Brain Salad Surgery
• Andy Summers, Mysterious Barricades
• Attention Deficit, The Idiot King
• Brian Eno, Nerve Net
• Guillermo Cides, Primitivo.
• Tangerine Dream, Cyclone
• Tangerine Dream, Phaedra.
• Kraftwerk, Radio-Activity
• Laurie Anderson, Big Science
• Medeski Martin & Wood, Combustication
• Black Sabbath, Paranoid

En la próxima entrega, les muestro algunos de los mejores trabajos realizados por los chicos (y de paso los obligo a pasarse nuevamente por el blog).

Eduardo Cesario

 
¿Cómo plantear el tema del uso de color, combinando lo mejor de los dos mundos? (el fotográfico y el del diseño gráfico)

El desafío docente y pedagógico ataca cada vez que uno busca hacer de una clase algo divertido, sin perder el rigor técnico que cualquier materia trae consigo.

Entonces aquí estaba, con la búsqueda de un camino lúdico/educacional para hablar de color a futuros fotógrafos.

Partiendo de la base que nuestro sistema visual percibe básicamente por contrastes, y luego de haber explicado armonías de color, me pareció que la manera de abordar el tema era usando la investigación de contrastes que hizo Johannes Itten.

El procedimiento fue el siguiente:

1. Pedí a los chicos que produzcan al menos dos fotografías, una en clave alta (high key) y otra a contraluz, de cada grupo. Esa fotografía la tomaron en la clase de Producción y Toma, materia que dicta Hernán Sveldorff. Es de vital importancia que la toma sea en alguna de estas dos modalidades, ya que lo que buscamos es un alto contraste, para que se definan bien las siluetas.
2. En clase, la consigna fue armar un collage, con técnicas y materiales libres, pensando en que iba a interactuar con su propia foto en una composición de colores.
3. Fotografiamos los collages realizados.
4. Luego les expliqué, con una pequeña demostración, como usar esa foto para generar un trace (o traza) en el Adobe Illustrator. De esta manera, podrían manipular la imagen en vectores (contornos), y cambiar fácilmente los colores de fondo y figura.
5. La consigna final fue usar criterios de analogías y contrastes para ver diferentes resultados, usando un color de fondo, el collage, en otro color, y la foto de ellos, a su vez, en otro tinte. Entonces dispondrían de 3 "capas" formales, para plantear diferentes combinatorias de color.
6. Entregar una pieza (afiche 50×70cm) mostrando las combinatorias realizadas.

Resultó ser un método interesante, y que fue implementado a lo largo de una clase, lo cual creó un entorno dinámico:

1. Parte experimental (collage)
2. La digitalización (fotografía)
3. Manipulación (vectorización)
   
4. y composición final (illustrator)

Una experincia que definitivamente voy a repetir en la materia, ya que los resultados me han sorprendido gratamente, y los chicos aprendieron un procedimiento bastante directo y sin la necesidad de tanto contenido teórico.

Eduardo Cesario

El color es una herramienta expresiva de muchísima influencia en nuestra vida cotidiana, independientemente de nuestra actividad, seamos diseñadores, fotógrafos, publicistas o cualquier otra disciplina que se sirva de éste para comunicar. Como comunicadores visuales o artistas de alguna especie, o bien, siendo destinatarios de estos y otros estímulos, el color implica comunicar en el amplio espectro que reviste esta palabra.

No podemos escapar al efecto del color. Esto es como cuando aprendemos a leer: inevitablemente, seguiremos leyendo, no podemos "no leer" tal o cual frase o letra. La percepción cromática, es un fenómeno similar.

El color trasciende su mismo nombre, para generar infinitos y múltiples estímulos en cada uno de nosotros. Particularmente en mi experiencia profesional, y en mi propio estilo, el color es una herramienta imprescindible para dar carácter y significación a cualquier pieza de diseño o fotografía.

Vasily Kandinsky

Desde que vi por primera vez el arte de Vasily Kandinsky, supe que eso cambiaría mi forma de experimentar el color. Uno de los primeros no figurativos en utlizar el color de una manera completamente novedosa, revolucionó el uso del color como medio artístico, y como medio de expresión en diferentes artes visuales, cuando luego participó de la Bauhaus como profesor. Sus teorías vinculan el color con la composición musical: la generación de ritmos visuales, composiciones, tensiones, etc. Es particularmente interesante como su afinada y excepcional percepción, también ligo lo espiritual asociado a los diferentes tonos del círculo cromático. También asoció a cada tinte del espectro, formas geométricas simples que reflejan lo sensorial de cada tono. Tratar de sintetizar todas su teorías, sería imposible en este espacio, pero los que quieran ahondar sobre esto pueden hacerlo en el primero de sus dos libros teóricos "De lo Espiritual en el Arte". Allí desarrolla con muchísima claridad su visión peculiar  del color, y algo que me pareció interesante destacar, es como organiza los colores por "antinomias" (que son 3), y da un contexto completamente novedoso y filosófico a lo que puede parecer un simple círculo cromático.

"Los seis colores que en duplas componen las tres grandes antinomias conforman un círculo inmenso, como una serpiente que se muerde la cola (emblema del infinito y la eternidad). A su izquierda y a su derecha se gestan dos grandes posibilidades de silencio: la muerte y el alumbramiento"

 Johannes Itten

Otro talentoso artista y estudioso del color, no sólo pudo expresarse con su arte, sino también por meticulosos estudios de la materia. Si Kandisky conectó mucho más el color a lo espiritual-sensorial-musical en su "teoría", Itten supo hacer lo suyo en el estudio más pormenorizado de lo cromático.

Uno de los ejercicios en su curso de color era el estudio de los 7 contrastes de color, teoría que popularmente es conocida como los siete contrastes de color.

Mi admiración por Itten se centra particularmente en el método y la exploración empírica de la problemática del color, que por su obra. Particularmente en su estudio del tema, clasificó a los posibles contrastes de color en site, que son los siguientes:

1.   Contraste de tintes
2. Contraste de claro-oscuro
3. Contraste de frío-calor
4. Contraste de complementarios
5. Contraste simultáneo (oponencia cromática)
6. Contraste de saturación
7. Contraste de área

 Esto ha sido un intento de reflejar, muy sintéticamente, y quizás hasta imprecisamente, dos grandes artistas y estudiosos de la apasionante materia que representa el color.

Recuerden, indefectiblemente, el color formará por siempre parte de nuestras experiencias, por ello es que hay que tenerlo en cuenta como un potente aliado para comunicar.

Eduardo Cesario