El color es una herramienta expresiva de muchísima influencia en nuestra vida cotidiana, independientemente de nuestra actividad, seamos diseñadores, fotógrafos, publicistas o cualquier otra disciplina que se sirva de éste para comunicar. Como comunicadores visuales o artistas de alguna especie, o bien, siendo destinatarios de estos y otros estímulos, el color implica comunicar en el amplio espectro que reviste esta palabra.

No podemos escapar al efecto del color. Esto es como cuando aprendemos a leer: inevitablemente, seguiremos leyendo, no podemos "no leer" tal o cual frase o letra. La percepción cromática, es un fenómeno similar.

El color trasciende su mismo nombre, para generar infinitos y múltiples estímulos en cada uno de nosotros. Particularmente en mi experiencia profesional, y en mi propio estilo, el color es una herramienta imprescindible para dar carácter y significación a cualquier pieza de diseño o fotografía.

Vasily Kandinsky

Desde que vi por primera vez el arte de Vasily Kandinsky, supe que eso cambiaría mi forma de experimentar el color. Uno de los primeros no figurativos en utlizar el color de una manera completamente novedosa, revolucionó el uso del color como medio artístico, y como medio de expresión en diferentes artes visuales, cuando luego participó de la Bauhaus como profesor. Sus teorías vinculan el color con la composición musical: la generación de ritmos visuales, composiciones, tensiones, etc. Es particularmente interesante como su afinada y excepcional percepción, también ligo lo espiritual asociado a los diferentes tonos del círculo cromático. También asoció a cada tinte del espectro, formas geométricas simples que reflejan lo sensorial de cada tono. Tratar de sintetizar todas su teorías, sería imposible en este espacio, pero los que quieran ahondar sobre esto pueden hacerlo en el primero de sus dos libros teóricos "De lo Espiritual en el Arte". Allí desarrolla con muchísima claridad su visión peculiar  del color, y algo que me pareció interesante destacar, es como organiza los colores por "antinomias" (que son 3), y da un contexto completamente novedoso y filosófico a lo que puede parecer un simple círculo cromático.

"Los seis colores que en duplas componen las tres grandes antinomias conforman un círculo inmenso, como una serpiente que se muerde la cola (emblema del infinito y la eternidad). A su izquierda y a su derecha se gestan dos grandes posibilidades de silencio: la muerte y el alumbramiento"

 Johannes Itten

Otro talentoso artista y estudioso del color, no sólo pudo expresarse con su arte, sino también por meticulosos estudios de la materia. Si Kandisky conectó mucho más el color a lo espiritual-sensorial-musical en su "teoría", Itten supo hacer lo suyo en el estudio más pormenorizado de lo cromático.

Uno de los ejercicios en su curso de color era el estudio de los 7 contrastes de color, teoría que popularmente es conocida como los siete contrastes de color.

Mi admiración por Itten se centra particularmente en el método y la exploración empírica de la problemática del color, que por su obra. Particularmente en su estudio del tema, clasificó a los posibles contrastes de color en site, que son los siguientes:

1.   Contraste de tintes
2. Contraste de claro-oscuro
3. Contraste de frío-calor
4. Contraste de complementarios
5. Contraste simultáneo (oponencia cromática)
6. Contraste de saturación
7. Contraste de área

 Esto ha sido un intento de reflejar, muy sintéticamente, y quizás hasta imprecisamente, dos grandes artistas y estudiosos de la apasionante materia que representa el color.

Recuerden, indefectiblemente, el color formará por siempre parte de nuestras experiencias, por ello es que hay que tenerlo en cuenta como un potente aliado para comunicar.

Eduardo Cesario

Hace unos meses que estoy dictando la materia Diseño y Percepción de la Imagen, intregrante del Plan de la Carrera de Fotógrafo Profesional de la Escuela de Fotografía Motivarte.

Uno de los desafíos fue el tener que preparar los contenidos del plan de estudios, enmarcado en el programa de la materia. Para ello, lo primero que hice fue reunirme con Alejandro Gandman, docente que dicta la materia por la mañana, para aunar criterios, al menos en la parte general de la asignatura.

En un principio, había decido armar una suerte de calendario, donde redactaría las diferentes actividades y contenidos pertenecientes a la materia. Pero luego me encontré frustrado, ya que nunca podía concentrarme o terminar de reunir los contenidos que quería. Una y otra vez, aparecían cada vez más artistas, autores, textos, ejercicios, apuntes, para abordar las diferentes problemáticas.

Me encontré por momentos sin saber como concretar el bendito programa.

Luego de varios intentos, finalmente decidí hacer una grilla de actividades, pero con papeles coloreados reposicionables.

Fui escribiendo los diferentes contenidos clasificándolos de esta manera:

• Artistas/Diseñadores (rojo)
• Esquicios/Actividades en clase/Illustrator (verde claro)
• Apuntes y contenidos teóricos (blanco)
• Bajadas de prácticos, entregas y devoluciones (rosa)
• Correcciones (verde oscuro)

Utilcé un color para diferenciar cada una de estas áreas a simple vista, y tener un panorama general de los módulos de contenidos que defenirían la cursada. De esta manera, podía ir moviendo y reubicando contenidos o módulos despegando el o los cartoncitos que necesitara.

La experiencia fue muy satisfactoria, ya que una vez que concluí con el reacomodamiento de contenidos, llegué a un resultado más o menos "estable", que es el que estoy utilizando para dictar la materia. Esta manera de organizar los contenidos, es particularmente interesante, ya que el proceso es lúdico, entretenido, y uno no siente que está atándose a ningún organigrama o pauta fija.

Eduardo Cesario

Bueno, parece que cada vez que posteo mencionando mi intención de bajar la autoexigencia, y permitirme escribir más seguido aquí, pasa casi un mes entre post y post.

Les juro: no es a propósito. Y sinceramente, arranqué estas líneas sin un propósito claro, más que agitar el abispero y volver a la costumbre de lanzar palabras al ciberespacio…  

Los últimos 2 meses han sido de mucha actividad: estar  terminando la carrera de fotógrafo en Motivarte, consume mucho tiempo en producciones, entregas y exámenes, eso sumado a la carga laboral y la vida propia de uno (que a esta altura, se ha mimetizado en unos cuantos logotipos, fotos y demás), y a la mudanza, no dejan muchas opciones para despuntar el vicio del blog.

Así y todo, terminé, ya estoy recibido. Ayer fue la muestra de la carrera, y para mi sorpresa, ¡gané el 1er premio de 2do Año de Carrera!
Abajo pueden ver la foto, perteneciente a la serie de autoretratos que estuve (y estoy)  trabajando:

El dilema de tratar temas autoreferenciales, es el poder abordarlos sin ser un pedante. El propósito es poder compartir esta alegría, sin mucho más que acotar (esto se remite claramente a la política de bajar la autoexigencia).

En cuanto al sentido de esta serie, para los que quieran ver más fotos pueden hacerlo en sobreexpuestos , donde estaré posteando más detalles y material relacionado a este trabajo personal.

Agradezco a todas las personas que me estuvieron acompañando desde que empecé esta nueva faceta en la vida creativa, amigos, amigas, docentes y familia, con especial énfasis, a Rodolfo Lozano (a quien pueden ver en la foto de arriba), quien fue una de las personas que me ha ayudado a descontracturar cada vez más mi mirada como fotógrafo. 

Eduardo Cesario 

Sobreexpuestos es el nuevo proyecto de Criatura Creativa Studio . Habrán notado en estas últimas semanas, que el blog ha permanecido prácticamente en silencio, y eso es debido a varias razones: por suerte en el estudio hay bastante demanda de trabajo, eso sumado a sacar fotos y demás proyectos (también incluído está vivir entre ellos), hacen que el tiempo que disponga sea poco como para poder publicar cosas que considere interesantes.

En este caso, es para anunciar con mucho orgullo, que luego de unas semanas de trabajo específico para este proyecto, el blog de sobreexpuestos ya está en el aire, así que espero que lo visiten en cuanto tengan tiempo y ganas.

Podría sintetizar el nuevo sitio de esta forma:

"Sobreexpuestos es una idea que surge como catalizador entre pasiones y razones: poder sobreexponer fotografías que merecen ser observadas más tiempo del habitual. En caso de que el eventual lector no conozca en detalle el signficado del término “sobreexponer” o “sobreexposición”, se denomina de esta manera a aquellos fotogramas que han recibido más luz de la ideal, para que los tonos y colores se registren correctamente. El efecto de una toma sobreexpuesta, es el de una imagen “quemada, donde las altas luces carcomen gran parte de información y detalle útil para apreciar la imagen en sí. Jugando metafóricamente con ese término fotográfico, es que llega la idea de este blog: sobreexponer, como un exceso, una virtud y un deseo, obras o fotografías que merezcan ser apreciadas por mucho tiempo (en el sentido literal de tiempo, no como variable de exposición fotográfica)."

Este sitio será específicamente dedicado a la fotografía y demás formas de expresión que se integren con ésta, lo cual no va a implicar que en este blog no se sigan publicando artículos de técnica, procesos y trucos que tienen que ver con este arte.

Espero verlos involucrados en el nuevo proyecto, ya sea aportando material, o comentando y participando del blog/grupo flickr.

Un abrazo a todos

Eduardo Cesario

El otro día tuve la oportunidad de realizar mi primera experiencia con HDR, High Dynamic Range, traducido, Alto Rango dinámico.

Para no ahondar sobre la parte teórica de esta técnica, lo que podría decir es que básicamente el HDR amplía el Rango Dinámico de una imagen fotográfica, lo cual aumenta el rango tonal de la toma, y en términos más técnicos la profundidad de color en bits de una imagen.

Es sabido que si tomamos una fotografía con un alto contraste lumínico, es decir, unos cuantos puntos de diferencia entre las areas más iluminadas y más oscuras, y queremos registrar detalle en ambas, será una tarea imposible. Digamos que si hay más de 3 puntos de diferencia entre las zonas que queremos que salgan bien expuestas, no habrá forma de fotografiarlas con detalle. Esto es, o exponemos para unas u otras (si hay muchos puntos de diferencia de luz).

Lo novedoso del HDR, es que permite exponer la misma escena, idealmente usando trípode (si queremos un efecto realista, es imprescindible), la cantidad de veces que nos sea necesario, para así poder tomar la foto acorde a cada área que queremos que represente detalle en la toma final.

Pasándolo en limpio, en el ejemplo de la toma que ven aquí, expuse tanto para las altas luces, las partes más iluminadas de la escena, que registran detalle, para los medios tonos (los valores tonales que van entre las altas luces y las sombras y no son ni lo uno ni lo otro), y para las sombras (por ejemplo, el cemento del muelle a la derecha de la toma).

Así tomé 6 fotografías usando la misma velocidad de 1/10 de segundo, el ISO fijo en 800, y fui variando en pasos de un puto de diafragma las exposiciones, yendo desde el diafragma más abierto que me permitía mi lente en esa distancia focal (f 5.6) hasta el más cerrado (f 22).

Obtuve así 6 fotogramas con un punto de luz de diferencia: los diafragmas más abiertos sirvieron para registrar las sombras más oscuras, el cemento por ejemplo, que me hubieran sido imposible de representar si exponía bien para el paisaje general, ya que saldrían subexpuestos. Lo mismo ocurrió con las luces más fuertes, que en la toma final muestran un halo con el color de su dominante (un verde muy claro).

Una vez hecho esto, usando un software de HDR, llamado Photomatix , las importé para generar el HDR. Utilicé los archivos originales RAW, que ya de por sí tienen una gama tonal más que interesante, de 16bits. Como siempre, cuanto mejor material de base dispongamos para trabajar, mejor será el resultado final.

Luego el programa procesa las fotos y las "mergea", o une en una sola toma, evaluando zonas con detalle que quedarian sub o sobreexpuestas en las tomas, y que pueden ser rescatadas. El resultado es asombroso. Y lo mejor que tiene este software, es que antes del paso final, permite hacer muchísmos ajustes, al estilo del Camera Raw del Photoshop, como son: saturación, noise reduction, corregir colores, etc. etc.

El archivo generado tiene extensión .hdr, y lo más impresionante es la profundidad de color que ostenta: 32 bits!

Ya de por sí vamos a verlo bastante 'feo' en pantalla, pero falta el paso final, el mapeo de Tonos: allí es donde regularemos saturación, brillo, y mucho más seteos para la representación final, que será salvada en un archvio .tif de 16 bits.

Finalmente, tomamos ese .tif, le bajamos la profundidad de color a 8 bits, para que nos permita grabar un jpg a máxima calidad (12) y poder llevarlo al laboratorio fotogáfico para ser impreso en papel fotosensible.

El resultado final obtenido fue este:

Lo importante es tener en cuenta que si exageramos el rango de exposición, las tomas quedarán increíbles, ¡pero irreales! En mi caso, la amplitud de exposición fue tolerante, es por ello que el resultado final es bastante realista. Este criterio, que ya es propio del fotógrafo, será fundamental a la hora de ejecutar correctamente las tomas, para que el software trabaje correctamente.

Como todo proceso semi automático, podemos caer en la tentación de los numerosos automatismos que ofrece el programa mismo, y ese será otro error: debemos usar nuestro ojo crítico de fotógrafos/diseñadores, para lograr un resultado óptimo, que se adapte a nuestras necesidades artísticas o de nuestros clientes.

Recapitulando:

• HDR es un método que aumenta el rango dinámico de la imagen, eso se traduce en imágenes de mayor profundidad de color (32bits).
• Para usarlo en fotografía es conveniente partir de 2 o más exposiciones.
• Es imprescindible tener la cámara montada en un trípode para que la toma salga en foco.
• Luego mediante un software como Adobe Photoshop CS2 o Photomatix, se procesan las imágenes.
• Los ajustes finales (mapeado de tonos o tone mapping) son fundamentales para terminar de "modelar" la imagen, y es recomendable que usemos algún modo no automático.

Eduardo Cesario

En estos días tuve tiempo de experimentar un fantástico software de retoque y producción de imágenes digitales: Gertrudis Graphics. Gracias a la gentileza de su autor, Enrique Nieloud, es que me hice de una copia completamente funcional del programa.

Gertrudis Pro 3.2 es una aplicación que permite a artistas, diseñadores, fotógrafos, o cualquier interesado en el tratamiento de imágenes o fotografías, intervenirlas mediante una amigable interface, que en un lado muestra la imagen original, y en la otra mitad muestra el resultado que vamos obteniendo.

Las posibilidades son ilimitadas, ya que podemos elegir entre técnicas que van desde el crayón, pastel, acuarelas y hasta un estilo "Van Gogh", que simula los trazos del famoso pintor. El proceso es bien simple: abriendo una fotografía vamos pasando un pincel o Brush, el cual podemos personalizar como si trabajásemos bajo Adobe Photoshop: grosor, intensidad, incluso variar la saturación, luminosidad y demás parámetros. A medida que pasamos el pincel, en el panel derecho va apareciendo la asombrosa representación en la técnica que elegimos.

Este software es muy útil, ya que muchas veces los profesionales de la imagen necesitamos aplicar una técnica o estética particular, y no todos tenemos tiempo y talento para aprender y utlizar una técnica de pintura o representación. Con Gertrudis es muy fácil obtener resultados altamente realistas, con una increíble calidad, y en segundos. Y no sólo eso, nos permite exportar el resultado en formato vectorial, el cual es posible escalar sin temores a perder calidad.

Los caminos a la sensibilidad y la expresión usando computadoras, suelen ser complicados, sobre todo si no nos damos maña para incorporar ese material sensible y gestual producido por nuestras propias manos, al proceso de creación.

En lo que respecta a mi experiencia personal, soy de los que valora mucho la producción gestual y mediante técnicas tradicionales (bocetos, trabajos en tinta, trazos y pinceladas propias), para luego ser llevada a medios digitales y ser intervenidas e incorporadas al diseño final (lease: scanners, cámaras digitales, y otros dispositivos de captura). Sin embargo, creo que Gertrudis es un camino más corto para aquellos que prefieren la practicidad de hacer todo en la computadora, y no enchastrarse con acuarelas, pinceles y acrílicos, o a intentar manejar técnicas que de por si, llevan años de perfeccionamiento.

Los interesados en conocer más del programa, pueden visitar su website , y también leer sobre técnicas y tutoriales en el blog de Gertrudis Graphics.

Eduardo Cesario

El concepto de "Diafragma Loco" surgió cuando Jonas Papier, Director de la Escuela de Fotografía Motivarte, me solicitó un diseño para una gigantografía en vía pública.

Por supuesto que Jonas no se referió al futuro cartel con tan peculiar nombre, pero aportó algunos lineamientos generales para su realización: el concepto de impacto visual (pregnancia como le llamamos nosotros los diseñadores gráficos) y el juego con el color a raíz de la fama que ya tienen en la Escuela las paletas cromáticas que utilizo. Descartamos el uso de elementos fotográficos para generar así una lectura más inmediata en los eventuales receptores, además que nos pareció más adecuado ya que el cartel estará ubicado en altura.

De todo este intercambio de ideas, nace "f loco": usé el isologotipo de la escuela para generar por detrás, varias estructuras radiales que fugan hacia éste. Luego intervine varios círculos usando la excusa de la letra f (notación utilizada en fotografía para expresar la apertura de diafragma, es decir, la cantidad de luz que pasa en la toma), para de esta forma permitirme generar texturas mediante la partición de los planos circulares, aportando así un dinamismo mayor, potenciado por las estructuras mencionadas anteriormente.

El golpe de gracia fue la paleta cromática, innata en mi forma de diseñar, con colores muy saturados y contrastados, valiéndome de complementarios y opuestos para unir o separar planos, y dar así una sensación de mayor espacialidad.

Luego de las polémicas y debates surgidos por este diseño, me alegra mucho el haber creado una pieza muy dinámica, pregnante, divertida y moderna, según Jonas "artística", que refleja el espíritu de la Escuela de Fotografía Motivarte, y me da la oportunidad de expresar mi estilo libremente.

Eduardo Cesario

Para poder comprender mejor el uso de la luz negra, voy a remitirme a una breve definición de Wikipedia sobre el tema: 

"La Luz negra (comúnmente conocida por su nombre en inglés "Black light") es el nombre común para lámparas que emiten radiación electromagnética ultravioleta cercana, con una componente residual muy pequeña de luz visible. Las lámparas de luz negra son hechas generalmente del mismo modo que las lámparas fluorescentes convencionales, excepto que utilizan un único fósforo, y en lugar del cristal transparente exterior emplean un cristal oscuro conocido como cristal de Wood, que bloquea la mayor parte de "luz visible" sobre los 400 nanómetros."

Hay que tener en cuenta unas cuantas cuestiones para poder trabajar bien con luz negra:

1. No es una luz particularmente beneficiosa para estar mirándola mucho tiempo, por lo cual no es recomendable una exposición muy prolongada de nuestros ojos a esta fuente luminosa.
2. Se cree popularmente que la luz negra reacciona a los "blancos", cosa que es parcialmente cierta. Podemos decir que la luz negra ilumina los blancos que en su composición contengan blanqueadores ópticos, como por ejemplo, el papel.
3. La luz negra reacciona a cualquier elemento que sea fluorescente o fosforescente, por ejemplo, las témperas fluorescentes, esto hecha por tierra la previa afirmación de que la luz negra ilumina sólo blancos.
4. Con fotografía analógica, la receta de cocina era medir sobre el objeto a fotografiar y subexponer 1 o 2 puntos. Actualmente, con cámaras digitales, la técnica es igual, pero varía sensiblemente de cámara en cámara, dado la diversidad de reacción de los distintos sensores CCD y las diferencias de la latitud, incluso en cámaras de la misma marca y modelo.
5. Para "rellenar" con luz negra debemos olvidarnos de los telgopores, ya que no contienen ningún elemento blanqueador, y no van a rebotar absolutamente nada de luz. Si podemos utilizar papel o cartones que hayan sido tratados con substancias blanqueadoras.

Tomando todos estos conceptos y recomendaciones, es que se hizo esta práctica con un par de tubos de luz UV y témperas fluorescentes.

También se hizo uso en algunas tomas, de luces móviles, que en este caso fue un tubo de luz de emergencia, recubierto de papeles del tipo "barrilete". Con una exposición larga, siempre y cuando que el modelo a fotografiar permanezca prácticamente inmóvil, se pueden armar fondos muy interesantes.

Eduardo Cesario

Transcurren días de bastante trabajo en el estudio, sin mucho tiempo para escribir. Les dejo una foto que me gusta mucho, que es la que presenté en la Segunda Muestra para la Carrera de la Escuela Motivarte. Prometo estar posteando algo en breve…

Eduardo Cesario

La temperatura de color de una fuente luminosa se define"comparando su color dentro del espectro luminoso con el de la luz que emitiría un Cuerpo Negro calentado a una temperatura determinada. Por este motivo esta temperatura de color generalmente se expresa en grados Kelvin, a pesar de no reflejar directamente una medida de temperatura." (Wikipedia )

En fotografía y en general cualquier actividad que trabaje con temperaturas de color, toman como patrón la irradiada por el sol al mediodía, en la localidad de Washington DC, que es de 5500 Kelvin, y es conocida como Luz día, o "Luz Blanca" (con todo lo subjetivo que puede ser la definición de la palabra "blanco"). Así, tenemos que la luz día es de temperatura similar a la luz disparada por un flash.

Estos datos teóricos sirven para ejemplificar el caso en que uno no contempla la mezcla de diferentes temperaturas de color, y para lo cual poco se puede hacer en la toma en sí, más que usar un filtro corrector de color, que lo que logrará es corregir una de las dos o más temperaturas de color presentes, en el caso que confluyan más de una fuente con distintas características luminosas.

Como ejemplo de esto, pueden ver este retrato que le tomé a Juan Carlos, donde se mezlcan ambas temperaturas: la de luz día (a través de la ventana, unos 5500 kelvin), y la del interior de su casa, una lampara de tungsteno con luz bastante amarilla (unos 2700-3000 kelvin).

Ahora, si bien se ve una marcada dominante amarilla sobre Juan Carlos y el entorno de su casa (proveniente de la iluminación con lámparas de tungsteno), la diferencia del exterior, esa diferencia de temperaturas no parece muy dramática si nos guiamos solamente por el archivo original obtenido con la Olympus 750UZ.

En la copia en papel Kodak mediante el proceso químico para bajar fotos digitales, la diferencia es mucho más marcada que en el monitor (si bien probablemente aqui no se aprecie, dado que ha sido scaneada).

Ahora, podríamos corregir la dominante amarilla, sabiendo que la camisa de Juan Carlos, es blanca. Tomando una curva de color mediante photoshop y apuntando a una parte muy blanca de la camisa como nuestro punto de blanco, el balance de blancos será hecho con esa referencia.

Sorpresa… claro, al haber dos temperaturas de color implicadas en la misma toma, lo que obtendremos es que nuestro modelo, y todo lo interior (iluminado con tungsteno) balancearán correctamente, mientras que los reflejos de la luz proveniente del exterior, se descontrolarán irremediablemente (prestar atencion particularmente a los reflejos de luz que produce Juan Carlos sobre el marco de la ventana: han mutado a un magenta furioso).

Para tener en cuenta entonces: chequear condiciones de ilumnación previamente a las tomas, ya que luego para compensar estas diferencias entre fuentes lumínicas habrá que hacer retoques avanzados y sectorizados sobre luces, reflejos y sombras de las mismas.

Eduardo Cesario