El uso de la luz de flash no es algo tan fácil como se supone.

Muchas veces me frustra fotografiar con flash de cámara. Cuando hablo de flash de cámara, me refiero al flash "pop up".  Y la frustración se justifica en este caso, porque este tipo del flash es en sí bastante limitado.
Los límites presuponen una frustración, o más bien un desafío. Si la limitación sirve para improvisar y resolver algo que nos estorba, mucho mejor.

Y pasó que siempre esa frustración rondaba… Si no contaba con un Nikon SB-800 o similar, no fotografiaba con flash.

El otro día fue el cumpleaños número noventa y cinco de mi querida Tía Aída. Les muestro como salieron las primeras fotos con flash pop up:

Entonces pensé como dar más naturalidad a esa iluminación (con algo que tuviera a mi alcance). Agarré un platito plástico descartable color blanco, de los que se usan para servir comida en los cumpleaños, para ver como daba la luz.

Y los resultados fotográficos fueron:

• Un toque más cálido en la iluminación, y por ende en las fotografías.
• Actuó como difusor para la luz directa del flash, haciendola más suave.

En mi caso, con la Nikon D70s, puedo controlar, de manera limitada, la intensidad de luz del flash pop up (la mayoría de las cámaras de la gama no lo permiten). Procedí a subir en pasos de 0.3 EV y 0.7 EV la iluminación del flash, para ver como compensaba a raíz de que el "platito de cotillón difusor" absorbía parte de la luz.

Lo de "calentar" la luz, es una ironía, ya que los colores obtenidos, corresponden a una temperatura de color más baja en el espectro. Menos Kelvin dan colores rojizos, anaranjados y amarillentos. Es decir que estoy bajando la temperatura de color, para obtener una gama más cálida, lo opuesto a lo que supondríamos si hablamos de temperaturas tradicionales.

Eduardo Cesario

"OoooOoo"

Hace un par de horas visité la muestra del Salón Nacional, en el Palais de Glace. Para aquellos que no lo hayan hecho y les interese la fototografía, encontrarán una selección interesante de obra fotográfica de distintos autores, y otro tanto sobre instalaciones y nuevos soportes, como para chusmear las nuevas intervenciones que los artistas de nuestro medio están trabajando.

Salí de la muestra gratificado, ya que Juan Sánchez, mi ayudante en Diseño y Percepción (materia que dicto en Motivarte), fue uno de los seleccionados para colgar material en el Salón.

Mientras volvía, me quedó dando vueltas en la cabeza una idea que parecía simple, pero que creo que es necesariamente cierta:

Muchas de las obras y trabajos que vi, cobraban sentido y tenían mucha más gracia, cuando leía el título que sus autores habían puesto a los mismos. Funciona todo perfectamente cuando el título refuta, confirma, ironiza, acota o ayuda en algún punto, a terminar de construir el fotograma o la instalación (o la música, y así con cualquier rama del arte, me animaría a decir).

Y es en este punto que el título puede llegar a ser tan importante (a veces más) que la calidad final de la obra a la que representa. Lógicamente, esta dosificación estará dada también, quizá, por la necesidad que tenga la obra en particular de completar su signficado o sentido, y de esa manera llegar mejor al espectador, permitiendo cerrar el círculo perceptivo de quien trata de adentrarse en la experiencia que proponemos, cuando decidimos mostrar nuestro trabajo al mundo.

Eduardo Cesario

Mucho se dice habitualmente sobre el retoque digital de fotografías, o post-producción, o… photoshop! Hasta se inventó el verbo "photoshopear", para definir la acción de usar, indiscrimidamente a veces, el Adobe Photoshop sobre alguna imagen.

Pero quiero mostrarles como a veces, el retoque digital puede ser usado creativamente, sirviéndonos de la misma materia prima que la imagen ofrece, en lugar de andar haciendo foto-montajes imposibles, o trabajo de locos para llegar a un resultado de dudosa calidad.

En el caso que presento, es una foto que tomé en las vacaciones, Mar del Plata. La fotografía la tomé como una cámara compacta. Sí, opté por no llevar el equipo reflex, lo cual permitió más soltura para sacar fotos, ya que todos sabemos lo engorroso y arriesgado que es andar con una cámara reflex por ahí.

La cuestión es que la foto me gustaba mucho, quizás no es el encuadre más afortunado, pero me gustó la naturalidad, y el "vacío" que había en la imagen. No me convencían los colores, la foto fue registrada con luz nublada, por lo cual el contraste de la imagen fue bajo. Así que mi decisión de retoque fue simple:

• Subir el contraste de los tintes
• Acentuar el detalle en algunas zonas
• Colorear siguiendo la línea de colores originales, para acentuar el efecto "pintado" de la imagen.

Mi forma de retoque suele ser la que cito más arriba, busco rescatar el espíritu de la imagen, y reforzar color, textura y contrastes. Esta metodología de trabajo, procura no interferir con el contenido original de la fotografía, sino aumentar su calidad estética.

Así que en resumidas cuentas, lo que hice fue agregar unas cuantas capas de ajustes de Photoshop, algunas para acentuar contrastes, otras para pintar con color que luego fusioné con diferentes opacidades, y colorear zonas que no tenían un buen registro cromático.

El resultado está a la vista, y el mensaje del post es no volverse loco buscando cosas imposibles, a veces lo bueno está en nuestra propia imagen, esperando a ser descubierto .

Eduardo Cesario

PD: Pueden ver algo que escribí sobre esta foto en el blog de Sobreexpuestos .

Los días martes 5 y miércoles 6 de mayo, tendrá lugar la tercera edición del Festival de Free Jazz en Argentina 2009, con la presencia de importantes músicos locales del género y la participación especial de Hill Greene (bajo, Estados Unidos), artista de amplia trayectoria internacional.

Coordinación: Ruben Ferrero

A vos amigo diseñador/a, que visitás este blog seguido…

A vos, amigo fotógrafo, estudiante de fotografía, entusiasta de las cámaras…

A vos, melómano, que de vez en cuando despuntás el vicio leyendo algunas líneas que escribo…

Te invito a hacerte FAN!
Si, estoy pidiéndote que te sumes a la comunidad de Criatura Creativa Studio en Facebook! Sólo hacé click en la imagen o en este link, y listo!

Es mi cromático pedido a todos los que disfrutan de alguna forma de este humilde espacio.

Un abrazo

Eduardo Cesario

Las necesidades comunicacionales de los clientes van cambiando según los tiempos. Quizás no tanto las necesidads en sí, sino la forma de solucionarlas.

Es así que se nos encomendó un proyecto, que en principio consistía en el rediseño de un website. Luego de enterevistarnos con los responsables de la firma Cerámicas Celec, la Sra. Mónica Gentili y la Sra. Delia Gentili, pudimos hacer un diagnóstico más acertado de la necesidad concreta.

Un nuevo sitio web no sólo consiste en actualizar la calidad gráfica de la interfase, sino también observar que las direfentes partes del sistema gráfico dialoguen coherentemente entre ellas.

En nuestro caso particular, había tres partes fundamentales a tener en cuenta:

1. Isologotipo e Identidad de la marca.
2. Gráfica del diseño de la web e interfase (que se constituye como otro sistema en sí mismo).
3. Fotografía de productos.

De nuestro relevamiento, primero presentamos la propuesta del website. Una vez aprobada la nueva versión "maestra" para desarrollar el resto del sitio web, Luis Cesario, prestigioso director publicitario, fue el encargado de la creación y dirección del corto animado en 3D que se produjo para una breve intro en flash, haciendo una parodia a "La Creación" de Miguel Ángel.

El sitio se estructura con una navegación simple e intuitiva, y la paleta cromática fue drásticamente re-elaborada, cambiando a una en la que predominan azules, negros y plateados, una gráfica que remite mucho más a lo científico y la investigación, pilares fundamentales de nuestro cliente..

La fotografía de producto era otro punto flojo en el stiio web anterior, es por ello que ofrecimos nuestros servicios de fotografía de producto para actualizar y potenciar lo visual en cada pieza que vende Cerámicas Celec. Optamos por una fotografía mucho más jugada en cuantro a encuadre e iluminación, y por supuesto realizamos los retoques pertinentes en post-producción.

El único punto que no tuvimos oportunidad de innovar, fue en la parte de diseño de marca, ya que la empresa se manifestó contenta con el posicionamiento de su actual Isologotipo: nos limitamos a reacomodarlo al nuevo diseño, sin modificarlo prácticamente.

Todo el proceso fue super dinámico, ya que el cliente siempre aceptó y delegó en el estudio y sus profesionales, el trabajo casi en su totalidad. El sitio se montó sobre un CMS como Silverstripe, lo que permite la fácil edición de los contenidos, y la traducción de los mismos, de ser necesario, por el mismo cliente.

Para finalizar nuestro trabajo, los asesoramos que registren un dominio .com, manteniendo el mismo nombre que usaron durante años para su sitio, pero que estaba registrado localmente (un .com.ar).

El resultado es un cliente con su sitio web re elaborado gráfica-conceptualmente, modernizado, con fotografía de producto profesional, y un naming más atractivo.

Pueden visitar el sitio web en esta dirección: http://www.ceramicacelec.com.

Eduardo Cesario

Muchas veces me había ocurrido que cuando subo fotos desde mi computadora a Flickr, experimentaba cambios de color, algunas veces menos dramáticas que otras.

El otro día estaba terminando de editar una foto en Photoshop, que venía de un archivo .NEF (archivo raw de cámaras reflex Nikon). Cuando exporté el jpg con el resultado, se veía muy bien en la Mac, pero, oh sorpresa, cuando completé el uplad en Flickr había perdido mucho el contraste y la saturación, que si tenía en mi computadora.

Googleando un rato, mi sospecha se confirmó: lo que hacía que los colores pierdan sus propiedades, era un cambio de perfil (profile) de color, que es ni más ni menos, que el parámetro que da a una imagen la ubicación cromática en el espectro.

EL PROBLEMA

Cuando uno trabaja desde un archivo RAW, importado desde Adobe Bridge, el perfil de color asignado por defecto es el Adobe RGB (1988), que siempre se comporta de maravillas, pero que puede producir variaciones de color cuando vemos esa imagen a través de un producto que utiliza otro perfil de color, por ejemplo, los navegadores web.

Diciéndolo de manera más simple, estamos visualizando el color a través de otra gama, lo cual hace que la imagen que terminamos de editar, que en la práctica hace que se vea con colores más chatos y menos saturados.

LA SOLUCIÓN

Hay dos soluciones rápidas a este problema:

1. Asignar el perfil de color correspondiente a visualización en pantalla, cuando abrimos el archivo RAW.
   Eso lo hacemos clickeando en la parte inferior de la pantalla, donde aparece el perfil actual (que generalmente es AdobeRGB).
   Cuando abramos la imagen, la procesemos y grabemos ya estaremos visualizando los colores de manera casi idéntica a la mayoría de navegadores web.
   

2. Cambiar el perfil de color desde Photoshop, cuando terminamos la edición.
   
   • Primero abrimos el archivo con la imagen correspondiente.
   • En los menues principales, buscamos Edit > Convert to Profile…
     Esta opción es útil porque por más que no terminemos transformando el perfil de color, nos va a brindar la información de cual estamos usando actualmente.

     

   • Para que tengamos control de los colores que se ven en pantalla y en Flickr, tenemos que cambiar el perfil de color de la imagen por sRGB, o sRGB IEC61966-2.1. Notaremos un cambio de la paleta, si los colores son muy saturados, se apagarán un poco. Entonces ahora, con este nuevo perfil, hacemos los retoques que necesitemos para acercarlos al resultado deseado, y listo, grabamos el archivo en JPG

     

CONCLUSION

1. El primer método, asignará el perfil de color al principo del Workflow (nuestro flujo de trabajo), y todos los cambios subsiguientes arrastrarán ese perfil, lo cual nos ahorra tiempo para llegar al resultado final.
2. El segundo método por el contrario, será más útil si ya hemos retocado la foto, y queremos que respete sus colores cuando la visualizamos a través de un navegador (Flickr por ejemplo).Sin embargo, una vez que asignemos el nuevo perfil, habrá que chequear las inconsistencias de color que surgirán, y ajustar la nueva imagen antes de ser grabada.

Espero que les sirva.

Eduardo Cesario

Debo confesar que era una experiencia que quise hacer desde que daba clases en la UBA, hace ya unos años.

Y ahora, pudiendo decidir directamente sobre las dinmámicas, contenidos y ejercicios de la materia que dicto (Diseño y Percepción de la Imagen), fue casi irresistible no plantearla como trabajo práctico.

La idea fue creciendo en mi cabeza, cada vez más, y no me conformé con darlo como práctico, sino como Examen Final de la materia, desición que fue de por sí arriesgada, dado el hecho de que no habría correcciones previas, y el vértigo mismo de poner a prueba a los chicos, lo que aprendieron en mi clase, y la recepción de las diferentes músicas, en muchos casos no del todo amigables, hacían de esta dinámica, algo arriegado… pero irresistiblemente divertido también.

Seleccioné 20 discos de bandas que no serían muy conocidas para los chicos, y confieso (ya van dos confesiones en muy poco texto) que esos discos son de mi agrado (algunos me gustan muchísimo).

La consigna es simple: en base al disco asignado a cada alumno, proceso realizado por sorteo, en clase, debería elaborar el arte del álbum, a partir de fotografías tomadas por él, sin límite en otras técnicas involucradas en el proceso, como ser, collage, pintura, recortes, uso de tipografía, color,  etc., para llegar a producir un diseño final sustentado ya sea por criterios conceptuales, estéticos, experimentales, o alguna justificación que abale el proceso.

Los discos fueron:

• Rush, 2112
• Gongzilla, Suffer
• Miles Davis, Amandla
• Peter Gabriel, Passion
• Steve Hackett, Defector
• King Crimson, In the Court of the Crimson King
• Steve Vai, Flexable
• Jean Michel Jarre, Oxygene
• The Cure, Pornography
• Emerson Lake & Palmer, Brain Salad Surgery
• Andy Summers, Mysterious Barricades
• Attention Deficit, The Idiot King
• Brian Eno, Nerve Net
• Guillermo Cides, Primitivo.
• Tangerine Dream, Cyclone
• Tangerine Dream, Phaedra.
• Kraftwerk, Radio-Activity
• Laurie Anderson, Big Science
• Medeski Martin & Wood, Combustication
• Black Sabbath, Paranoid

En la próxima entrega, les muestro algunos de los mejores trabajos realizados por los chicos (y de paso los obligo a pasarse nuevamente por el blog).

Eduardo Cesario

 
¿Cómo plantear el tema del uso de color, combinando lo mejor de los dos mundos? (el fotográfico y el del diseño gráfico)

El desafío docente y pedagógico ataca cada vez que uno busca hacer de una clase algo divertido, sin perder el rigor técnico que cualquier materia trae consigo.

Entonces aquí estaba, con la búsqueda de un camino lúdico/educacional para hablar de color a futuros fotógrafos.

Partiendo de la base que nuestro sistema visual percibe básicamente por contrastes, y luego de haber explicado armonías de color, me pareció que la manera de abordar el tema era usando la investigación de contrastes que hizo Johannes Itten.

El procedimiento fue el siguiente:

1. Pedí a los chicos que produzcan al menos dos fotografías, una en clave alta (high key) y otra a contraluz, de cada grupo. Esa fotografía la tomaron en la clase de Producción y Toma, materia que dicta Hernán Sveldorff. Es de vital importancia que la toma sea en alguna de estas dos modalidades, ya que lo que buscamos es un alto contraste, para que se definan bien las siluetas.
2. En clase, la consigna fue armar un collage, con técnicas y materiales libres, pensando en que iba a interactuar con su propia foto en una composición de colores.
3. Fotografiamos los collages realizados.
4. Luego les expliqué, con una pequeña demostración, como usar esa foto para generar un trace (o traza) en el Adobe Illustrator. De esta manera, podrían manipular la imagen en vectores (contornos), y cambiar fácilmente los colores de fondo y figura.
5. La consigna final fue usar criterios de analogías y contrastes para ver diferentes resultados, usando un color de fondo, el collage, en otro color, y la foto de ellos, a su vez, en otro tinte. Entonces dispondrían de 3 "capas" formales, para plantear diferentes combinatorias de color.
6. Entregar una pieza (afiche 50×70cm) mostrando las combinatorias realizadas.

Resultó ser un método interesante, y que fue implementado a lo largo de una clase, lo cual creó un entorno dinámico:

1. Parte experimental (collage)
2. La digitalización (fotografía)
3. Manipulación (vectorización)
   
4. y composición final (illustrator)

Una experincia que definitivamente voy a repetir en la materia, ya que los resultados me han sorprendido gratamente, y los chicos aprendieron un procedimiento bastante directo y sin la necesidad de tanto contenido teórico.

Eduardo Cesario