El color es una herramienta expresiva de muchísima influencia en nuestra vida cotidiana, independientemente de nuestra actividad, seamos diseñadores, fotógrafos, publicistas o cualquier otra disciplina que se sirva de éste para comunicar. Como comunicadores visuales o artistas de alguna especie, o bien, siendo destinatarios de estos y otros estímulos, el color implica comunicar en el amplio espectro que reviste esta palabra.

No podemos escapar al efecto del color. Esto es como cuando aprendemos a leer: inevitablemente, seguiremos leyendo, no podemos "no leer" tal o cual frase o letra. La percepción cromática, es un fenómeno similar.

El color trasciende su mismo nombre, para generar infinitos y múltiples estímulos en cada uno de nosotros. Particularmente en mi experiencia profesional, y en mi propio estilo, el color es una herramienta imprescindible para dar carácter y significación a cualquier pieza de diseño o fotografía.

Vasily Kandinsky

Desde que vi por primera vez el arte de Vasily Kandinsky, supe que eso cambiaría mi forma de experimentar el color. Uno de los primeros no figurativos en utlizar el color de una manera completamente novedosa, revolucionó el uso del color como medio artístico, y como medio de expresión en diferentes artes visuales, cuando luego participó de la Bauhaus como profesor. Sus teorías vinculan el color con la composición musical: la generación de ritmos visuales, composiciones, tensiones, etc. Es particularmente interesante como su afinada y excepcional percepción, también ligo lo espiritual asociado a los diferentes tonos del círculo cromático. También asoció a cada tinte del espectro, formas geométricas simples que reflejan lo sensorial de cada tono. Tratar de sintetizar todas su teorías, sería imposible en este espacio, pero los que quieran ahondar sobre esto pueden hacerlo en el primero de sus dos libros teóricos "De lo Espiritual en el Arte". Allí desarrolla con muchísima claridad su visión peculiar  del color, y algo que me pareció interesante destacar, es como organiza los colores por "antinomias" (que son 3), y da un contexto completamente novedoso y filosófico a lo que puede parecer un simple círculo cromático.

"Los seis colores que en duplas componen las tres grandes antinomias conforman un círculo inmenso, como una serpiente que se muerde la cola (emblema del infinito y la eternidad). A su izquierda y a su derecha se gestan dos grandes posibilidades de silencio: la muerte y el alumbramiento"

 Johannes Itten

Otro talentoso artista y estudioso del color, no sólo pudo expresarse con su arte, sino también por meticulosos estudios de la materia. Si Kandisky conectó mucho más el color a lo espiritual-sensorial-musical en su "teoría", Itten supo hacer lo suyo en el estudio más pormenorizado de lo cromático.

Uno de los ejercicios en su curso de color era el estudio de los 7 contrastes de color, teoría que popularmente es conocida como los siete contrastes de color.

Mi admiración por Itten se centra particularmente en el método y la exploración empírica de la problemática del color, que por su obra. Particularmente en su estudio del tema, clasificó a los posibles contrastes de color en site, que son los siguientes:

1.   Contraste de tintes
2. Contraste de claro-oscuro
3. Contraste de frío-calor
4. Contraste de complementarios
5. Contraste simultáneo (oponencia cromática)
6. Contraste de saturación
7. Contraste de área

 Esto ha sido un intento de reflejar, muy sintéticamente, y quizás hasta imprecisamente, dos grandes artistas y estudiosos de la apasionante materia que representa el color.

Recuerden, indefectiblemente, el color formará por siempre parte de nuestras experiencias, por ello es que hay que tenerlo en cuenta como un potente aliado para comunicar.

Eduardo Cesario

El otro día tuve la oportunidad de realizar mi primera experiencia con HDR, High Dynamic Range, traducido, Alto Rango dinámico.

Para no ahondar sobre la parte teórica de esta técnica, lo que podría decir es que básicamente el HDR amplía el Rango Dinámico de una imagen fotográfica, lo cual aumenta el rango tonal de la toma, y en términos más técnicos la profundidad de color en bits de una imagen.

Es sabido que si tomamos una fotografía con un alto contraste lumínico, es decir, unos cuantos puntos de diferencia entre las areas más iluminadas y más oscuras, y queremos registrar detalle en ambas, será una tarea imposible. Digamos que si hay más de 3 puntos de diferencia entre las zonas que queremos que salgan bien expuestas, no habrá forma de fotografiarlas con detalle. Esto es, o exponemos para unas u otras (si hay muchos puntos de diferencia de luz).

Lo novedoso del HDR, es que permite exponer la misma escena, idealmente usando trípode (si queremos un efecto realista, es imprescindible), la cantidad de veces que nos sea necesario, para así poder tomar la foto acorde a cada área que queremos que represente detalle en la toma final.

Pasándolo en limpio, en el ejemplo de la toma que ven aquí, expuse tanto para las altas luces, las partes más iluminadas de la escena, que registran detalle, para los medios tonos (los valores tonales que van entre las altas luces y las sombras y no son ni lo uno ni lo otro), y para las sombras (por ejemplo, el cemento del muelle a la derecha de la toma).

Así tomé 6 fotografías usando la misma velocidad de 1/10 de segundo, el ISO fijo en 800, y fui variando en pasos de un puto de diafragma las exposiciones, yendo desde el diafragma más abierto que me permitía mi lente en esa distancia focal (f 5.6) hasta el más cerrado (f 22).

Obtuve así 6 fotogramas con un punto de luz de diferencia: los diafragmas más abiertos sirvieron para registrar las sombras más oscuras, el cemento por ejemplo, que me hubieran sido imposible de representar si exponía bien para el paisaje general, ya que saldrían subexpuestos. Lo mismo ocurrió con las luces más fuertes, que en la toma final muestran un halo con el color de su dominante (un verde muy claro).

Una vez hecho esto, usando un software de HDR, llamado Photomatix , las importé para generar el HDR. Utilicé los archivos originales RAW, que ya de por sí tienen una gama tonal más que interesante, de 16bits. Como siempre, cuanto mejor material de base dispongamos para trabajar, mejor será el resultado final.

Luego el programa procesa las fotos y las "mergea", o une en una sola toma, evaluando zonas con detalle que quedarian sub o sobreexpuestas en las tomas, y que pueden ser rescatadas. El resultado es asombroso. Y lo mejor que tiene este software, es que antes del paso final, permite hacer muchísmos ajustes, al estilo del Camera Raw del Photoshop, como son: saturación, noise reduction, corregir colores, etc. etc.

El archivo generado tiene extensión .hdr, y lo más impresionante es la profundidad de color que ostenta: 32 bits!

Ya de por sí vamos a verlo bastante 'feo' en pantalla, pero falta el paso final, el mapeo de Tonos: allí es donde regularemos saturación, brillo, y mucho más seteos para la representación final, que será salvada en un archvio .tif de 16 bits.

Finalmente, tomamos ese .tif, le bajamos la profundidad de color a 8 bits, para que nos permita grabar un jpg a máxima calidad (12) y poder llevarlo al laboratorio fotogáfico para ser impreso en papel fotosensible.

El resultado final obtenido fue este:

Lo importante es tener en cuenta que si exageramos el rango de exposición, las tomas quedarán increíbles, ¡pero irreales! En mi caso, la amplitud de exposición fue tolerante, es por ello que el resultado final es bastante realista. Este criterio, que ya es propio del fotógrafo, será fundamental a la hora de ejecutar correctamente las tomas, para que el software trabaje correctamente.

Como todo proceso semi automático, podemos caer en la tentación de los numerosos automatismos que ofrece el programa mismo, y ese será otro error: debemos usar nuestro ojo crítico de fotógrafos/diseñadores, para lograr un resultado óptimo, que se adapte a nuestras necesidades artísticas o de nuestros clientes.

Recapitulando:

• HDR es un método que aumenta el rango dinámico de la imagen, eso se traduce en imágenes de mayor profundidad de color (32bits).
• Para usarlo en fotografía es conveniente partir de 2 o más exposiciones.
• Es imprescindible tener la cámara montada en un trípode para que la toma salga en foco.
• Luego mediante un software como Adobe Photoshop CS2 o Photomatix, se procesan las imágenes.
• Los ajustes finales (mapeado de tonos o tone mapping) son fundamentales para terminar de "modelar" la imagen, y es recomendable que usemos algún modo no automático.

Eduardo Cesario

Para poder comprender mejor el uso de la luz negra, voy a remitirme a una breve definición de Wikipedia sobre el tema: 

"La Luz negra (comúnmente conocida por su nombre en inglés "Black light") es el nombre común para lámparas que emiten radiación electromagnética ultravioleta cercana, con una componente residual muy pequeña de luz visible. Las lámparas de luz negra son hechas generalmente del mismo modo que las lámparas fluorescentes convencionales, excepto que utilizan un único fósforo, y en lugar del cristal transparente exterior emplean un cristal oscuro conocido como cristal de Wood, que bloquea la mayor parte de "luz visible" sobre los 400 nanómetros."

Hay que tener en cuenta unas cuantas cuestiones para poder trabajar bien con luz negra:

1. No es una luz particularmente beneficiosa para estar mirándola mucho tiempo, por lo cual no es recomendable una exposición muy prolongada de nuestros ojos a esta fuente luminosa.
2. Se cree popularmente que la luz negra reacciona a los "blancos", cosa que es parcialmente cierta. Podemos decir que la luz negra ilumina los blancos que en su composición contengan blanqueadores ópticos, como por ejemplo, el papel.
3. La luz negra reacciona a cualquier elemento que sea fluorescente o fosforescente, por ejemplo, las témperas fluorescentes, esto hecha por tierra la previa afirmación de que la luz negra ilumina sólo blancos.
4. Con fotografía analógica, la receta de cocina era medir sobre el objeto a fotografiar y subexponer 1 o 2 puntos. Actualmente, con cámaras digitales, la técnica es igual, pero varía sensiblemente de cámara en cámara, dado la diversidad de reacción de los distintos sensores CCD y las diferencias de la latitud, incluso en cámaras de la misma marca y modelo.
5. Para "rellenar" con luz negra debemos olvidarnos de los telgopores, ya que no contienen ningún elemento blanqueador, y no van a rebotar absolutamente nada de luz. Si podemos utilizar papel o cartones que hayan sido tratados con substancias blanqueadoras.

Tomando todos estos conceptos y recomendaciones, es que se hizo esta práctica con un par de tubos de luz UV y témperas fluorescentes.

También se hizo uso en algunas tomas, de luces móviles, que en este caso fue un tubo de luz de emergencia, recubierto de papeles del tipo "barrilete". Con una exposición larga, siempre y cuando que el modelo a fotografiar permanezca prácticamente inmóvil, se pueden armar fondos muy interesantes.

Eduardo Cesario